Dal 24 ottobre in libreria 24 ORE Cultura presenta ANIMALI DIPINTI di STEFANO ZUFF

 

Dopo il successo del libro “Il giardino dipinto”, Stefano Zuffi torna con un nuovo volume. Con oltre 80 capolavori dell’arte, “Animali dipinti” è un atlante di zoologia immaginifica, in cui aquile, leoni, rane e pavoni raccontano, attraverso la pittura, il legame profondo e millenario tra l’uomo e il mondo animale

Dopo il successo di Il giardino dipinto, Stefano Zuffi, storico dell’arte e curatore di mostre, autore di fama internazionale di un grande numero di pubblicazioni, monografie e cataloghi, torna con un nuovo, straordinario volume che arriverà in libreria dal 24 ottobre per la casa editrice 24 ORE Cultura: Animali dipinti. Un’opera sontuosa e coinvolgente, che coniuga rigore scientifico e divulgazione. Un volume in cui l’autore mette a frutto la sua profonda conoscenza della storia dell’arte per raccontare il mondo animale attraverso gli occhi degli artisti nel corso dei secoli, tra simbolismo, mitologia e bellezza naturale. Stefano Zuffi intreccia, con la consueta finezza intellettuale, una narrazione che si snoda nella storia dell’arte con riferimenti alle opere di Giotto, Leonardo, Dürer, Tiepolo, Rubens, Goya, fino a Picasso e Ligabue. Un percorso visivo con oltre 80 capolavori, provenienti da collezioni  pubbliche e private, che attraversa secoli e stili. La letteratura e il mito si affacciano con naturalezza tra le pagine, evocando Ovidio e Dante, Esopo e Shakespeare, in un dialogo costante tra immaginario e rappresentazione.

La religione e la spiritualità sono indagate con particolare attenzione all’iconografia cristiana e ai bestiari medievali, che attribuiscono agli animali significati morali e teologici profondi. Non mancano le curiosità zoologiche, come la giraffa dei Medici, il rinoceronte di Dürer o l’elefante Annone di papa Leone X.

Dal maestoso leone al misterioso serpente, dal tenero agnello al regale pavone, Animali dipinti è un viaggio visivo e narrativo che invita a riflettere sul nostro rapporto con gli animali, sulla loro presenza nella cultura visiva e nella coscienza collettiva, come suggerisce la citazione di Gandhi raccolta nel volume: “La civiltà di un popolo si misura dalla maniera con cui tratta gli animali.”

“ORENO” 2023 MIGLIOR VINO ROSSO ITALIANO L’ICONICA ETICHETTA DI TENUTA SETTE PONTI PREMIATA DA “LE GUIDE DE L’ESPRESSO” 2026

 

Il vino che porta la firma della famiglia Moretti Cuseri tra i cento migliori vini d’Italia per il Corriere della Sera. Assegnato anche il “110 cum laude” de “Le Guide de L’Espresso” e i massimi riconoscimenti da Gambero Rosso (Tre Bicchieri), Bibenda (Cinque Grappoli), Guida Veronelli (Stella Polare) e Food&Wine (50 Cantine Top)

CASTIGLION FIBOCCHI (AREZZO) - È Oreno 2023 il Miglior Vino Rosso Italiano: l’etichetta simbolo di Tenuta Sette Ponti ha ricevuto il premio speciale da Le Guide de L’Espresso 2026, curata da Luca Gardini. Oreno 2023 riceve inoltre il prestigioso riconoscimento del 110 cum laude, il voto più alto attribuito dalla Guida, riservato a sole sette cantine in tutta Italia, “ai vini che rappresentano il vertice dell’enologia italiana, etichette capaci di coniugare identità, tecnica e poesia: il segno più alto del saper fare italiano nel mondo”. A coronare un anno straordinario, Oreno 2023 è stato selezionato tra i Migliori 100 Vini e Vignaioli d’Italia 2026 nella guida del Corriere della Sera curata da Luciano Ferraro e James Suckling. Riconoscimento che si affianca, nella stessa guida, a quello ricevuto da Vigna dell’Impero segnalata tra le dieci vigne storiche italiane che custodiscono memoria e identità del Paese. Per Oreno 2023 anche i Cinque Grappoli della Guida Bibenda 2026 e i Tre Bicchieri della Guida Vini d’Italia 2026 del Gambero Rosso, confermandosi come una delle etichette più premiate e riconosciute d’Italia. A conferma di un percorso di eccellenza costante, Oreno 2023 ha ricevuto La Stella Polare della Guida Veronelli 2026, novità assoluta di questa edizione, attribuita ai vini considerati vertici assoluti per la straordinaria qualità e l’altissima espressività enoica. Inoltre, Tenuta Sette Ponti è inserita nella 50 Cantine Top: innovazione e sostenibilità della rivista Food&Wine, che premia le aziende più all'avanguardia e attente all'ambiente del panorama vitivinicolo italiano. Risultati che testimoniano la costanza qualitativa e la visione della famiglia Moretti Cuseri, portavoce di una cultura enologica fondata su eccellenza, ricerca e profondo legame con il territorio. Nel cuore del Valdarno di Sopra, Tenuta Sette Ponti racconta la Toscana attraverso vini di grande eleganza e identità. In particolare, Oreno — che prende il nome dal torrente che attraversa la tenuta — nasce nel 1999 dall’idea di creare un elegante taglio bordolese con un’anima profondamente toscana. Un vino che esprime appieno la filosofia Moretti Cuseri: unire identità territoriale e visione internazionale, con una costante attenzione alla qualità e alla sostenibilità. Accanto a Oreno, la tenuta – che prende il nome dai sette ponti sull’Arno che collegano Firenze e Arezzo, e si distingue per un approccio produttivo che coniuga arte, natura e innovazione - ha dato vita ad altre espressioni identitarie del territorio, come Vigna dell’Impero, un Sangiovese in purezza proveniente da un vigneto storico del 1935, e Crognolo. Con il titolo di Miglior Vino Rosso Italiano e i più alti riconoscimenti della critica italiana e internazionale, Oreno conferma il ruolo di Tenuta Sette Ponti tra le grandi eccellenze del vino italiano, capace di raccontare la Toscana più autentica con uno stile che unisce profondità, eleganza e visione contemporanea.

L’Avvento a Terento e il Natale nel Bosco: la magia, le luci e i profumi natalizi dell’Area Vacanze Sci e Malghe Rio Pusteria in Alto Adige.

 

Per il Natale 2025, Terento invita a riscoprire la semplicità e la meraviglia delle feste di un tempo, tra mercatini, artigianato e profumi d’inverno. Il paese si veste di luci e tradizione, accogliendo tutti con l’incanto del suo Natale nel Bosco, dove ogni angolo racconta la magia autentica dell’Avvento altoatesino.   Rio di Pusteria (BZ), 3 novembre 2025 – Tra le montagne innevate dell’Area Vacanze Sci e Malghe Rio Pusteria, il paese di Terento si trasforma in un incantevole villaggio natalizio. Luci calde, fiaccole e profumi di cannella accompagnano gli ospiti lungo un percorso autentico che intreccia la tradizione con la natura. L’Avvento di Terento si tiene domenica 7, lunedì 8, sabato 13, domenica 14, sabato 20, domenica 21, venerdì 26, sabato 27 e domenica 28 dicembre, dalle 11:00 alle 20:00, con un ricco programma di mercatini, laboratori e momenti di pura atmosfera.

MERCATINO DI NATALE E LABORATORIO DI BISCOTTI PER I PIÙ PICCOLI Nel cuore del paese di Terento, un grande albero e una maestosa corona d’Avvento accolgono i visitatori tra bancarelle di artigianato e sapori tipici dell’Alto Adige: oggetti in legno, decorazioni natalizie, candele fatte a mano, strudel, speck e formaggi locali. Il mercatino è aperto tutti i giorni dalle 14:00 alle 19:00, presso la Casa delle Associazioni e il parco giochi. Nelle giornate del 7, 8, 14, 21 e 28 dicembre, dalle 14:00 alle 18:00, i più piccoli diventano pasticceri per un giorno, preparando biscotti tradizionali tra profumi di vaniglia e cannella. Un’attività dolce e divertente che scalda il cuore di grandi e piccini nella Casa delle Associazioni.

TREKKING CON GLI ALPACA E NATALE NEL BOSCO Gli alpaca vi aspettano davanti alla Casa delle Associazioni dalle 14:00 per una breve passeggiata guidata sulla neve attorno al parco giochi e che procede fino al bosco Stockner Waldile, un luogo incantato illuminato dalle fiaccole. Tra le casette di legno decorate si possono gustare vin brulé, dolci fatti in casa e specialità locali, accompagnati da musica natalizia. Il Natale nel Bosco è aperto dalle 14:00 alle 22:00, tutti i giorni dell’evento. La passeggiata continua lungo la strada illuminata dalle fiaccole fino al bosco, dove sono allestite le tipiche bancarelle con prodotti artigianali locali e un grande presepe raffigurante la natività.

GLI APPUNTAMENTI SPECIALI DELL’AVVENTO ALTOATESINO Ogni giornata dell’Avvento di Terento riserva momenti di festa e tradizione: la visita di San Nicolò e la cerimonia di apertura del 7 dicembre, la suggestiva Notte delle fiabe attorno al falò dell’8, 14, 21 e 27 dicembre, e la coinvolgente Danza con il fuoco del 21 dicembre. Non mancano la musica dal vivo, i canti d’Avvento nella chiesa parrocchiale e le esibizioni dei Suonatori di corno delle Alpi di Gais e del Coro Maschile di Terento, che riempiono il paese di melodie natalizie.

AVVENTO ALPINO ALLA MALGA FANE, DOVE LA MAGIA DELL’INVERNO PRENDE VITA Durante le quattro domeniche d’Avvento, la pittoresca Malga Fane si trasforma, per la prima volta, in un incantevole villaggio natalizio, raggiungibile con una piacevole escursione di circa un’ora e mezza dal parcheggio Berg am Boden a Valles. Tra luci soffuse e profumi di montagna, il mercatino offre artigianato locale, specialità gastronomiche, bevande calde e musica d’Avvento. Nella prima domenica si tiene una solenne celebrazione, nella seconda arriva San Nicolò, e in tutte le domeniche attività creative e letture animate fanno la felicità dei bambini. Il rifugio Zingerle Hütte accoglie gli ospiti con il calore della sua cucina tipica.

KOUNELLIS | WARHOL

 

La messa in scena della tragedia umana: la classicità di Jannis Kounellis e il pop di Andy Warhol   da un’idea di Annamaria Maggi   Fino al 29 maggio 2026   GALLERIA FUMAGALLI Via Bonaventura Cavalieri 6, Milano Jannis Kounellis, Senza titolo, 2005 (dettaglio). Ferro, capelli, lame, 200x180x10 cm. Courtesy Estate of Jannis Kounellis and Galleria Continua Andy Warhol, Knives, 1981-82. Acrylic and silkscreen ink on canvas, 51x81 cm. © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc., By SIAE 2025

Dal 26 novembre 2025 al 29 maggio 2026, la Galleria Fumagalli ospita l’esposizione Kounellis | Warhol. La messa in scena della tragedia umana: la classicità di Jannis Kounellis e il pop di Andy Warhol.   Ben lontani dal voler ridurre i due maestri dell’arte contemporanea a una medesima matrice e respingendo ogni sovrapposizione che possa appiattirne la singolare identità, l’esposizione si presenta come un’occasione di riflessione critica su Jannis Kounellis ed Andy Warhol, con le loro differenze ideologiche ed estetiche, ma anche con le loro tangenze culturali e comune tensione nei confronti della potenza e del mistero della spiritualità.   Il progetto espositivo in Galleria Fumagalli include anche un importante approfondimento presso il Museo San Fedele di Milano che ospiterà dal 12 dicembre un inedito dialogo tra l’opera permanente di Jannis Kounellis allestita nella cripta (Senza titolo, Svelamento, 2012) e un’opera di Andy Warhol in prestito per l’occasione.   La mostra sarà arricchita da un’estesa pubblicazione che raccoglie contributi critici e memorie personali di importanti autori quali, fra gli altri, Andrea Dall’Asta SJ, Demetrio Paparoni, Gianni Mercurio, Gerard Malanga, Lóránd Hegyi, Luca Massimo Barbero, Franco Fanelli, Annamaria Maggi, Maria Vittoria Baravelli, Sandro Barbagallo, Massimo Recalcati. Il volume si correda di un significativo apparato di immagini fotografiche autoriali e sarà presentato dopo l’apertura della mostra.   Jannis Kounellis (Il Pireo, Grecia, 1936 – Roma, 2017) e Andy Warhol (Pittsburgh, Pennsylvania, 1928 - New York, 1987) hanno segnato in modo radicale il loro tempo, lasciando un’impronta profonda nella storia dell’arte. A un primo sguardo, sembrano incarnare due archetipi inconciliabili: l’alfa e l’omega di due visioni artistiche, due concezioni della realtà che si sono confrontate e, talvolta, scontrate. Le loro traiettorie si sono sviluppate in parallelo, ma in universi quasi distinti: Jannis Kounellis immerso nell’ombra e nel peso della materia, Andy Warhol nell’abbaglio fluorescente della superficie dell’immagine.   Oggi, a distanza da quel contesto storico e in un periodo in cui si sono dissolte le ideologie, appare fecondo creare un dialogo tra questi due maestri, non solo per metterne a confronto le differenze ma soprattutto per analizzare le radici comuni di quella grande energia che ha animato un periodo irripetibile dell’arte contemporanea, nonché sondare quel terreno comune da cui scaturì quella straordinaria stagione.   Entrambi sono espressione dell’Occidente e si sono sentiti figli di due città che, a buon diritto, possiamo chiamare “caput mundi”: Roma, per Kounellis, nell’antichità e della cristianità; New York, per Warhol, capitale dell’immaginario globale nel dopoguerra e motore del capitalismo. Ma entrambi mantengono un legame profondo con le radici orientali e le tradizioni spirituali delle loro terre d’origine: la Grecia ortodossa e mediterranea per Kounellis, e quella Slovacchia cattolica e dalle influenze bizantine che permea l’infanzia di Warhol.   Chiunque si accosti oggi al loro lavoro si imbatte in una parola tanto ricorrente quanto insidiosa: icona. Una parola che rischia di diventare una trappola semantica, svuotata di significato dall’uso eccessivo. Tutto è “iconico”: ogni volto, ogni oggetto, ogni immagine. Ma per Kounellis e Warhol, l’icona non è un semplice oggetto di culto mediatico, essa mantiene, pur in contesti esplicitamente profani, una tensione verso il senso assoluto.   In Kounellis, questa tensione si manifesta attraverso un’estetica della materia che incorpora gli oggetti del lavoro, i materiali poveri, gli elementi primari: ferro, carbone, lana, sacchi di iuta, fiamme. La sua è una liturgia laica, anzi materialista, un rito tragico in cui il dolore del mondo trova espressione nella materia stessa. Alla Galleria Fumagalli sono esposte alcune delle sue opere, strutture in ferro su cui poggiano ora sacchi pieni di carbone, ora cappotti compressi, ora capelli trafitti da lame: oggetti veri che portano la traccia dell’esistenza umana, della sua quotidianità e delle sue fatiche.   Nelle opere di Warhol il dramma umano si nasconde dietro i simboli del consumo e della celebrità come nelle lattine di zuppa Campbell o nei volti di Marilyn e Jackie Kennedy, donne che celano con la bellezza il loro dolore: sono tutte immagini dietro alla cui superficie patinata si cela un’intima spiritualità, un senso del tragico che trasforma quelle figure in icone moderne. Alla Galleria Fumagalli sono esposte opere delle serie “Knives” e “Shadows”, che evocano la caducità e la fragilità della vita. In mostra anche alcune polaroid, uno dei mezzi espressivi preferiti da Warhol proprio per l’estemporaneità di realizzazione e la capacità di generare un diario visivo di icone della quotidianità.   Kounellis è stato un intellettuale, ateo e marxista, legato a una visione politica del mondo e della storia; Warhol era ambiguo, dissimulato, restio a parlare di sé stesso, profondamente religioso, eppure icona pop. Entrambi, a modo loro, si sono rivolti alla massa, al popolo, agli emarginati. La bellezza che emerge dai loro lavori è tragica, ma mai disperata: è la bellezza di ciò che resta, di ciò che sopravvive al disincanto della Storia e del consumo. Ed è forse in questo terreno comune — la tragicità del quotidiano, l’universalità del materiale e la rigorosa etica dell’artista — che si può trovare la chiave per un dialogo possibile tra i due artisti.

Conference Imballaggio in plastica - Milano, 18-19 novembre

 

18-19 NOVEMBRE 2025

Presso AUDITORIUM FEDERCHIMICA VIA GIOVANNI DA PROCIDA 11 - 20149 MILANO

Sono numerosi i temi complessi e di grande attualità che ruotano attorno all’imballaggio in plastica. Vi sono, però, argomenti portanti che rappresentano un po' l’aspetto olistico della filiera packaging in plastica. Materiali e oggetti a contatto con alimenti, analisi e test di laboratorio, imballaggio e tutela dell’ambiente costituiscono l’assunto prioritario su cui la conference si concentra. L’obiettivo finale è quello di consentire una visione d’insieme dedicata all’imballaggio in plastica, guardando senz’altro all’attualità, ma anche agli scenari futuri a cui tutte le imprese sono chiamate a prepararsi e che si prevedono molto impegnativi. L’evento sarà anche momento di incontro e confronto costruttivo tra operatori della filiera packaging ed end-users, offrendo spunti, case history e suggerimenti, funzionali alla migliore gestione dell’imballaggio in plastica.

PAV - Parco Arte Vivente presenta DOVE LE LIANE S’INTRECCIANO Resistenze, alleanze, terre Binta Diaw

 

a cura di Marco Scotini   31.10.2025 – 08.03.2026     PAV - Parco Arte Vivente via Giordano Bruno 31, 10134, Torino  www.parcoartevivente.it

Torino, 31 ottobre 2025 - Venerdì 31 ottobre 2025 il PAV Parco Arte Vivente presenta Dove le liane s’intrecciano. Resistenze, alleanze, terre, mostra personale dell’artista Binta Diaw, a cura di Marco Scotini. Dopo le personali di Navjot Altaf, Arahmaiani e Regina José Galindo, il progetto di Diaw rappresenta un nuovo importante capitolo nell’indagine del PAV sui legami tra natura, corpo femminile e pensiero decoloniale.   Il titolo della mostra prende spunto dalla liana, pianta rampicante capace di adattarsi e resistere, simbolo di alleanze vitali e resilienza collettiva. Attraverso installazioni ambientali, materiali organici e riferimenti storici, l’artista affronta le tematiche della memoria diasporica afrodiscendente, della sopravvivenza ecologica e della resistenza femminile.   Nata a Milano nel 1995 da genitori senegalesi, Binta Diaw porta avanti una ricerca che intreccia ecologia, femminismo e storia coloniale, indagando il rapporto tra corpo, natura e identità. La sua pratica artistica si nutre di materiali simbolici come la terra e i capelli sintetici, utilizzati come strumenti di trasmissione culturale e resistenza poetica.   Al centro della mostra, due opere fondamentali, Dïà s p o r a (2021), installazione presentata alla Biennale di Berlino 2022, composta da una struttura sospesa simile a una ragnatela, realizzata con trecce di capelli. L’opera evoca la resistenza silenziosa delle donne schiavizzate, che nascondevano semi e mappe nei capelli, trasformando la materia in archivio vivente e luogo di sopravvivenza clandestina. Chorus of Soil (2019) è un’installazione che riproduce la pianta della nave negriera Brooks, realizzata con terra e semi. Le sagome degli schiavi, simbolo di oppressione, diventano anche germinazioni vegetali, trasformando la nave in un giardino di memoria e rinascita. La serie di lavori Paysage Corporel e Nature ha come protagonista il corpo dell’artista, trasformato e reinterpretato come paesaggio. Naître au monde, c'est concevoir (vivre) enfin le monde comme relation, opera nello spazio esterno che si ispira alle letture eco-femministe delle mangrovie in Senegal. Completa il percorso l’opera video Essere corpo, che sintetizza le connessioni tra memoria, corpo e natura, trasformando lo spazio espositivo in un luogo di attraversamento e relazione con il vivente. Le opere si articolano in uno spazio immersivo fatto di tappeti di terra, installazioni sospese ed elementi tessili intrecciati, evocando i percorsi sinuosi delle liane nella foresta. La mostra si configura come un paesaggio corale in cui dimensione estetica e politica si intrecciano, offrendo nuove immagini di comunità e appartenenza. Con questa mostra il PAV conferma il proprio impegno nella costruzione di una nuova ecologia politica, capace di ripensare i rapporti tra arte, natura e società globale.   Nell’ambito della mostra personale di Binta Diaw, il 10 dicembre le AEF/PAV (Attività Educazione Formazione) propongono Wunderkammer d’Altrove, corso di formazione ideato all’interno della rassegna aulArte, progetto sostenuto dalla Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT per favorire l’accesso ai luoghi di cultura dei docenti delle scuole piemontesi ad attività di formazione basate sulle pratiche dell’arte contemporanea. Per le scuole e i gruppi che visiteranno la mostra Dove le liane s’intrecciano. Resistenze, alleanze, terre e le installazioni presenti nel parco di 23.500 mq, viene proposto Radici volanti, laboratorio in movimento che si situerà nello spazio interno al museo o nel vasto parco, dove i partecipanti produrranno, punto dopo punto, una catena tessile per legarsi gli uni agli altri in un’azione ludica e collettiva.     BIO Binta Diaw (Milano, 1995) è un’artista visiva italo-senegalese attiva a livello internazionale. Cresciuta tra Italia e Senegal, si è formata presso l’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano e all’École d’Art et de Design di Grenoble, in Francia. La sua pratica si sviluppa attraverso installazioni, sculture, video, fotografia e performance, ed è profondamente radicata in una riflessione filosofica sui fenomeni sociali che caratterizzano il mondo contemporaneo, come la migrazione, l’identità diasporica, il senso di appartenenza e le questioni di genere. Nei suoi lavori, materiali naturali e simbolici — terra, gesso, corde, capelli sintetici, ma anche bandiere arrotolate — compongono un linguaggio plastico che mette al centro l’esperienza fisica e sensoriale dello spettatore, invitandolo a confrontarsi con il proprio posizionamento nel mondo e di fronte all’opera. Il lavoro di Diaw si nutre di prospettive afro-diasporiche, intersezionali e femministe, e si propone come un atto critico nei confronti della visione eurocentrica dominante. Attraverso le sue opere, l’artista indaga i molteplici strati dell’identità — la propria, in quanto donna nera in un contesto europeizzato, e quella collettiva, di un continente segnato da storie e geografie in dialogo e in conflitto. Le sue creazioni danno voce a memorie marginalizzate, promuovendo una visione del presente più consapevole, inclusiva e plurale. Le sue opere fanno parte di prestigiose collezioni private e sono state presentate in numerose mostre personali e collettive, così come presso istituzioni di rilievo come: MAXXI– Museo nazionale delle arti del XXI secolo (Roma, IT), Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Torino, IT), Museo Madre (Napoli, IT), Liverpool Biennial (Liverpool, UK), Berlin Biennale (Berlino, GER), Istituto Svizzero, (Roma, IT), Istituto Italiano di Cultura di Dakar, (Dakar, SN), Express Newark, (Newark, US), Fondazione Nicola Trussardi (Milano,IT), Gwanju Biennale, (Gwanju, KR), Magasin CNAC (Grenoble, FR), Museo Novecento (Firenze, IT), Palazzo Grimani (Venezia, IT), Institut Culturel Italien de Paris (Parigi, FR), FRAC Alsace (Sélestat, FR), Castello di Rivoli (Rivoli, IT), Bamako Encounters (Mali, MLI), Murate Art District (Firenze, IT), Centrale Fies (Dro, IT), MUSEION (Bolzano, IT), Galerie Cécile Fakhoury (Parigi, Dakar, Abidjan), Prometeo Gallery (Milano, IT).   La mostra Dove le liane s’intrecciano. Resistenze, alleanze, terre è realizzata con il sostegno della Compagnia di San Paolo, della Fondazione CRT, della Regione Piemonte e della Città di Torino.   Parte di New Perspectives for Action un progetto di Re-Imagine Europe. Co-finanziato dall'Unione Europea.

“Assolo di Tartufo” da Daniel Canzian

 

Giovedì 6 novembre, al ristorante dello chef Daniel Canzian va in scena “Assolo di Tartufo”, una serata dedicata all’ingrediente nel suo momento migliore. Il menu si apre con il benvenuto dalla cucina e l’originale pane sfogliato; si prosegue con l’uovo di quaglia in nido di kataifi su crema di topinambur e tartufo bianco; al centro il risotto “tartufo bianco… e nero”; a seguire patate in crosta di sale con fonduta di taleggio e tartufo. Chiude il percorso la Veneziana.
Il costo del menu è di 150 euro a persona. Disponibile un abbinamento vini dedicato.

 

DanielCanzian Ristorante
Via Castelfidardo angolo Via San Marco, 20121 Milano
Info e prenotazioni
Tel. 02 6379 3837
danielcanzian.com