Lucia Marcucci Tutto qui?

 

a cura di Frida Carazzato (Museion) e Francesca Verga (Ar/Ge Kunst) Progetto grafico di bruno – Andrea Codolo, Giacomo Covacich Con Alessandro Durighello In occasione della sesta tappa del tour internazionale di presentazione del volume Lucia Marcucci. Tutto qui?, a Lione un nuovo momento di dialogo e confronto articolato in due giornate dedicate alla pratica artistica contemporanea e alla relazione tra parola, immagine e performance

 

5 – 6 giugno 2026

Biblioteca dell’Istituto Italiano di Cultura di Lione 18 rue François Dauphin, 69002 Lyon CAP Centre d’Art de Saint-Fons Espace Léon Blum, Rue de la Rochette, 69190 Saint-Fons

 

 

Mockup Lucia Marcucci. Tutto qui?. Curated by: Frida Carazzato, Francesca Verga Design: bruno – Andrea Codolo, Giacomo Covacich, with Alessandro Durighello. Publisher: bruno, Venice.

Bolzano, 29 maggio 2026. In occasione della sesta tappa del tour internazionale di presentazione del volume Lucia Marcucci. Tutto qui?, prende forma a Lione un nuovo momento di dialogo e confronto articolato in due giornate dedicate alla pratica artistica contemporanea e alla relazione tra parola, immagine e performance. Il programma si apre il 5 giugno 2026 alle ore 18.00 presso la Biblioteca dell’Istituto Italiano di Cultura di Lione con la presentazione del volume, accompagnata dagli interventi di Frida Carazzato (Museion) e Francesca Verga (Ar/Ge Kunst). L’incontro sarà moderato da Alessandra Prandin, Direttrice del CAP – Centre d’Art de Saint-Fons. Il 6 giugno 2026 alle ore 17.00, presso il CAP Centre d’Art Contemporain di Saint-Fons, avrà luogo BLEAH!!!, performance delle artiste Annamaria Ajmone e Laura Agnusdei. Presentata da Museion e Ar/Ge Kunst, Lucia Marcucci. Tutto qui? è la prima pubblicazione monografica dedicata alla poliedrica artista italiana Lucia Marcucci (Firenze, 1933). Edito da bruno (Venezia), il volume nasce a partire da due mostre tenutesi nel 2023 – Lucia Marcucci. Poesie e no a Museion e L’Offesa ad Ar/Ge Kunst – e rappresenta l’esito di un progetto di ricerca condiviso tra le due realtà. La pubblicazione, realizzata con il supporto della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura nell’ambito dell’Italian Council (XIII edizione, 2024), si accompagna a un tour internazionale di presentazioni, che attraverserà Italia ed Europa tra novembre 2025 e giugno 2026: dal Centro Pecci di Prato a Palazzo Butera di Palermo, dal MART di Rovereto all’Université de Liège, fino all’University of Sussex a Brighton e al CAP – Centre d’art contemporain de Saint-Fons. Attraverso i contributi di nove autrici e autori – Claudia Crocco, Gilda Policastro, Francesco Tenaglia, Maria Alicata, Annalisa Sacchi, Giulia Crispiani, Dalila Colucci, Vanessa Desclaux e Raffaella Perna – il libro offre una lettura corale e multidisciplinare della pratica di Marcucci, figura cardine della Poesia Visiva italiana. La predominanza di voci femminili testimonia l’impegno dell’artista nel mettere in discussione gli stereotipi che, tra le altre cose, hanno portato all’oggettivazione del corpo della donna nella società dei consumi del secondo dopoguerra, e nel ricorrere all’ironia come strumento di denuncia contro politiche imperialiste e pratiche di sopruso, influenzando profondamente generazioni di studiose e curatrici. Lucia Marcucci. Tutto qui? affronta i principali temi emersi dalle due mostre del 2023 e li approfondisce attraverso nuclei tematici che riflettono il modo con cui la poesia visiva si esprime nel campo della letteratura, del cinema, della performance così come nella società. Ogni sezione si apre con testi dell’artista, alcuni dei quali inediti, accompagnati da contributi critici che ne mettono in luce vitalità politica e attualità. Poeta, artista visiva, performer e sperimentatrice, Lucia Marcucci ha fatto della parola un materiale vivo, da rompere e reinventare. Nella sua opera, il linguaggio si fonde con il corpo, il cinema, la grafica e la performance, in un continuo attraversamento di generi e media che anticipa molte delle ricerche contemporanee sulla contaminazione dei linguaggi. Il libro riunisce per la prima volta testi originali e opere mai pubblicate, frutto di una lunga indagine d’archivio condotta insieme alla famiglia dell’artista. Grazie al sostegno dell’Italian Council, il progetto vuole ampliare la conoscenza dell’opera di Marcucci a livello internazionale e consolidare un dialogo tra la ricerca verbo-visiva italiana e quella europea. Ogni tappa del tour di presentazione sarà occasione per esplorare una diversa sfaccettatura della sua pratica – dal rapporto tra poesia e immagine, al linguaggio cinematografico, fino alla performance come gesto politico e collettivo.

Tour internazionale di presentazione del libro con la presenza delle curatrici Frida Carazzato e Francesca Verga:   7 novembre 2025 – Centro Pecci, Prato Presentazione del volume con Claudia Crocco, ricercatrice di poesia e letteratura italiana nel contesto del Centro Pecci Books Festival 2025 - IV Edizione   18 dicembre 2025 – Palazzo Butera, Palermo Presentazione del volume con Gilda Policastro, scrittrice e critica letteraria   20 gennaio 2026 – MART, Rovereto Presentazione del volume con Duccio Dogheria, responsabile Archivio del ‘900 del Mart e Francesco Tenaglia, critico d’arte e curator   2 marzo 2026 – Université de Liège, Liège Presentazione del volume con Maria Elena Minuto e Michel Delville docenti dell’Universitè de Liège   15 maggio 2026 – University of Sussex, Brighton Feminist Resonances between Word and Image: Reading Art in the long 1970s con Karen di Franco, curatrice e scrittrice, e Francesco Ventrella, storico dell’arte e docente all’University of Sussex.   5–6 giugno 2026 – CAP Centre d’art contemporain, Saint-Fons (Lione) Presentazione e performance con Annamaria Ajmone e Laura Agnusdei   11 giugno 2026 – Museion, Bolzano Performance di Giulia Crispiani, seguita dalla presentazione del volume con Annalisa Sacchi e Giulia Crispiani, autrici presenti nel volume, insieme agli editor Andrea Codolo e Giacomo Covacich (bruno)

ESTATE TRA LE VIGNE DELL’ALTO ADIGE

 

Wine escape tra cantine d’autore, paesaggi alpini, attività outdoor e soggiorni tra i filari   Maggio 2026_ Alcuni luoghi si attraversano, altri si assaporano lentamente. L’Alto Adige è uno di questi: un territorio dove il vino diventa il filo conduttore di esperienze autentiche che intrecciano paesaggio, ospitalità, benessere e gusto. Qui l’enoturismo assume un significato contemporaneo e immersivo. Non si tratta solo di degustare un’ampio e variegato ventaglio di etichette ma di entrare anche in contatto con un modo di vivere fatto di natura e cultura del territorio. Tra vigneti, cantine d’autore, percorsi panoramici e piccoli borghi dal fascino alpino-mediterraneo, ogni esperienza invita a rallentare e ad assaporare, in primo luogo, il tempo.   In Alto Adige il vino nasce in scenari sorprendenti: filari che si arrampicano lungo i pendii, castelli circondati dalle vigne, monasteri storici e montagne che fanno da sfondo a una delle più affascinanti aree vitivinicole d’Europa. Un mosaico di paesaggi dove il lavoro dei viticoltori racconta una tradizione antica, custodita con passione e reinterpretata con uno sguardo contemporaneo.   L’estate è il momento ideale per scoprire questo universo attraverso esperienze open air che uniscono movimento, convivialità e scoperta. Passeggiate guidate tra le vigne, degustazioni al tramonto, picnic tra i filari, visite alle cantine e incontri con i produttori permettono di conoscere da vicino l’anima più autentica dei Vini Alto Adige. Per chi ama vivere il territorio in modo attivo e sostenibile, la bicicletta diventa il mezzo perfetto. Grazie ai Bike Wine Ambassador — guide specializzate che accompagnano gli ospiti lungo gli itinerari del vino — è possibile esplorare l’Oltradige, la Bassa Atesina, la Valle Isarco o i dintorni di Merano pedalando tra vigneti, laghi e architetture contemporanee. I percorsi si adattano a ogni livello di preparazione e conducono alla scoperta delle varietà simbolo del territorio, dal Pinot Bianco al Gewürztraminer, fino al Pinot Nero. Inoltre la Wine & Bike Alto Adige Collection propone una serie di itinerari tematici, consultabili tramite Komoot, pensati per unire il piacere del cicloturismo alla cultura del vino. Un modo per attraversare il territorio seguendo il ritmo lento delle sue vigne e delle sue stagioni.   L’enoturismo altoatesino è anche sinonimo di accoglienza. Le oltre 200 cantine raccontano anime diverse ma accomunate da un forte legame con la terra: dalle piccole realtà familiari alle grandi cooperative fino alle Tenute, ogni visita permette di entrare in contatto diretto con chi il vino lo produce ogni giorno. E per chi desidera prolungare l’esperienza, l’Alto Adige offre la possibilità di soggiornare direttamente presso aziende vinicole, relais immersi nei vigneti, agriturismi di charme e wine resort affacciati sui filari, vivendo il paesaggio da una prospettiva privilegiata. A completare il viaggio, naturalmente, c’è la gastronomia. Tra ristoranti gourmet, malghe, wine bar ed enoteche, ogni piatto dialoga con i vini locali in un equilibrio che racconta la straordinaria identità culinaria altoatesina: alpina e mediterranea insieme, essenziale e straordinariamente identitaria.   Un viaggio da vivere lentamente, tra calici, panorami alpini e un’ospitalità autentica che racconta l’anima più raffinata dell’Alto Adige.

Pic Nic di primavera a Cruna di Subida (Cormòns – Friuli Venezia Giulia)

 

Fra filari delle vigne del Collio Friulano e la natura che si risveglia, una giornata all’aria aperta tra gusto, relax e convivialità

Nel cuore del Collio friulano, tra filari ordinati e natura che si risveglia, Cruna di Subida celebra l’arrivo della bella stagione con un’esperienza che restituisce al picnic il suo significato più autentico: tempo lento, convivialità e piacere del buon cibo all’aria aperta. Qui, dove il paesaggio è disegnato dalle vigne, sarà possibile stendere la propria coperta e consumare il cestino direttamente tra i filari, immersi in un contesto che unisce eleganza rurale e accoglienza contemporanea. Il prato della tenuta diventa così il palcoscenico di una giornata pensata per chi desidera vivere i primi giorni di primavera in modo diverso, lontano dalla frenesia e vicino alla terra. Il “Pic Nic di Primavera” firmato Cruna di Subida è un invito a lasciarsi andare: cestini curati nei dettagli, una proposta gastronomica che spazia dai grandi classici, salumi, formaggi, torte salate, a opzioni vegetariane e dedicate ai più piccoli, un ricco buffet di dolci e una selezione di vini DOC del territorio.

Ogni cestino è pensato per offrire un’esperienza completa, capace di soddisfare gusti ed esigenze diverse, con possibilità di personalizzazioni, anche gluten free. La prenotazione è obbligatoria. Via mail: crunadisubida@gmail.com Via telefono o WhatsApp: +39 329 7999929

Le differenti tipologie di picnic prevedono il cestino classico, quello vegetariano e il cestino dedicato ai più piccoli. Cestino Classico: • Brioche salata farcita • Insalata russa • Cestini ripieni • Torta salata • Frittata • Polpettine di carne • Assortimento formaggi con miele • Uova sode • Pane • 1 bottiglia di vino DOC a scelta (rosso, bianco o bollicine) • Acqua Buffet di dolci: chiffon cake, cestini alla frutta, crostate varie, selezione biscotti, mini muffin al cioccolato, ciambelline. Cestino Vegetariano: • Brioche salata farcita • Giardiniera • Insalata russa • Torta salata • Frittata • Assortimento formaggi con miele • Uova sode • Pane • 1 bottiglia di vino • Acqua naturale o gasata Buffet di dolci: chiffon cake, cestini alla frutta, crostate varie, selezione biscotti, mini muffin al cioccolato, ciambelline. Cestino bambini: • Brioche salata farcita • Polpettine di carne • Patatine/pop corn • Trancio di pizza margherita • Uova sode • Succo di frutta • Acqua naturale o gasata Buffet di dolci: chiffon cake, cestini alla frutta, crostate varie, selezione biscotti, mini muffin al cioccolato, ciambelline.

Cruna di Subida – Country House Un progetto nato nel 2023, che rappresenta l’eleganza familiare nella quiete del Collio. Un territorio incontaminato, quello di Cormòns, dove la natura ritrova il suo respiro più autentico. Terra di confine e di grandi vini, crocevia di culture e paesaggi, capace di raccontare una bellezza fatta di silenzi, luce e materia. È qui che il Wine country house Cruna di Subida si inserisce con naturalezza, in dialogo costante con il territorio. La struttura accoglie sei camere, due deluxe, tre junior suite e una suite, pensate come rifugi di quiete. Ogni ambiente è arricchito da libri e pubblicazioni dedicate al territorio, selezionati per accompagnare l’ospite in un racconto fatto di cultura, storia e identità. La passione per il vino è parte integrante dell’esperienza: in ogni camera trova spazio una piccola cantinetta con una selezione di etichette di produzione propria. «Il vino del Collio - racconta Marco Perti proprietario di Cruna di Subida - è parte della nostra natura, della nostra cultura e del nostro modo di vivere».

Cruna di Subida Via Subida, 85 34071, Cormons Gorizia, Italia Tel: +39 329 79 99 949 Email: info@crunadisubida.it

QUASI UN PARADISO Fotografia dell'era coloniale nell'arte contemporanea

 

Museo Rietberg Zurigo, CH 16 aprile – 6 settembre 2026   rietberg.ch Wendy Red Star, Spring – Four Seasons, 2006 © Wendy Red Star, per gentile concessione dell’artista; collezione del Newark Museum of Art ARTISTI IN MOSTRA Sammy Baloji, Raphaël Barontini, Mary Enoch Elizabeth Baxter, Daniel Boyd, Andrea Chung, Omar Victor Diop & Lee Shulman, Sasha Huber, Yuki Kihara, Cédric Kouamé, Dinh Q. Lê, Dimakatso Mathopa, Tuli Mekondjo, Tshepiso Moropa, Aline Motta, Frida Orupabo, Rosana Paulino, Wendy Red Star, David Shongo, Zenaéca Singh. È aperta al pubblico, visitabile fino al 6 settembre 2026, al Museum Rietberg di Zurigo Quasi un paradiso. Fotografia dell'era coloniale nell'arte contemporanea, una mostra collettiva di artisti di fama internazionale provenienti o appartenenti alle diaspore di Africa, Americhe, Asia, Australia e Oceania che lavorano con materiale visivo dell'era coloniale per raccontare quali storie sono nascoste nelle fotografie storiche e in che modo gli artisti contemporanei le hanno portate alla luce.  Le loro opere – poetiche, critiche, visionarie – indagano come tali immagini definiscano identità, storia, senso di appartenenza e come possano essere reinterpretate. Queste opere rivelano un potere di guarigione che trascende i contesti storici specifici e che può toccare ciascuno di noi. Venti artisti rinomati esplorano lo stato attuale di questo patrimonio fotografico attraverso quattro sezioni tematiche, agendo come archivisti, come contro-sguardo al punto di vista coloniale, come forze protettive e come potenti narratori che danno spazio a storie nascoste. Composte da fotografie, tessuti, film e sculture, le loro opere espandono i confini del medium fotografico e intrecciano domande legate alla propria identità e alle memorie collettive.  Ciò che le accomuna è un atteggiamento di speranza: la memoria rimane fluida e capace di resistere. Emerge così un cosmo visionario di immagini che sovverte le narrazioni familiari e mette in luce storie non raccontate. Cosa accadrebbe se questi mondi visivi diventassero reali? Possiamo ritrovare un tipo di paradiso quando la storia viene raccontata in polifonia? E quale potere esercitano le immagini che vediamo ogni giorno, prima ancora che iniziamo a interrogarle?

Aline Motta, Se o mar tivesse varandas (If the sea had balconies) #4, 2017 © Aline Motta, per gentile concessione dell’artista LE QUATTRO SEZIONI TEMATICHE   MUTAZIONI Sono state scattate milioni di fotografie dall’invenzione del mezzo, ma questa eredità rimane distribuita in modo diseguale. In molti luoghi al di fuori dell’Europa, mancano fotografie che documentino il passato delle comunità, offrendo risposte sulle loro origini, memorie, appartenenze. Senza fotografie, una parte della loro storia rimane nascosta. Nella prima sezione della mostra, gli artisti reagiscono a questa assenza creando i propri archivi. Le loro opere rendono visibile ciò che è stato tramandato – e ciò che è andato perduto.   Artisti selezionati Dinh Q. Lê (1968–2024, Vietnam). Cercando nei mercatini di Ho Chi Minh City le fotografie perdute della propria famiglia, ha scoperto migliaia di immagini appartenute a famiglie costrette alla fuga. In Crossing the Farther Shore, intreccia queste fotografie in grandi strutture cubiche che restituiscono un volto alle storie raramente raccontate della vita quotidiana nel Vietnam del Sud prima della guerra.   Rosana Paulino (nata 1967, Brasile) denuncia la mancanza di documentazione visiva delle persone nere nella memoria culturale brasiliana. La sua opera monumentale Parede da Memória (Muro della Memoria) ripete gli stessi undici ritratti 750 volte, rendendo impossibile ignorare le lacune della memoria collettiva.   Cédric Kouamé (nato 1992, Costa d’Avorio). Con The Gifted Mold Archive, esplora la materialità della fotografia. La mancanza di misure di conservazione in Costa d’Avorio ha fatto sì che molte fotografie si deteriorassero: questa decomposizione genera nuove composizioni e spazi inattesi per l’interpretazione. Cédric Kouamé, dalla serie The Gifted Mold, 2012, Costa d’Avorio © Cédric Kouamé, per gentile concessione dell’artista CONFRONTO La colonizzazione si è sviluppata parallelamente alla diffusione della fotografia in tutto il mondo. La macchina fotografica ha agito come uno strumento capace di rappresentare i popoli colonizzati come “altri”, come diversi. Queste immagini furono riprodotte in massa in riviste e cartoline, diventando parte integrante della nostra memoria visiva collettiva. Ma le immagini non si limitano a plasmare il modo in cui vediamo il mondo: stabiliscono anche ciò che crediamo di essere. Gli artisti presentati nella seconda sezione della mostra traggono forza e resistenza proprio da questi stereotipi coloniali. Cercano fotografie del passato, le decostruiscono e danno loro nuovi significati, reinterpretando ciò che era stato imposto come verità visiva.   Artisti selezionati Wendy Red Star (1981, USA). Nella serie Four Seasons, prende di mira con ironia e precisione le fotografie storiche dei nativi nordamericani. I suoi autoritratti messi in scena deridono l’idea romantica secondo cui gli indigeni vivessero in perfetta armonia con la natura: lo fa utilizzando paesaggi artificiali, fiori di plastica, erba sintetica e animali gonfiabili.   Omar Victor Diop (1980, Senegal). Nel progetto Being There (in collaborazione con Lee Shulman, 1973, Regno Unito), si inserisce retroattivamente in scene della vita quotidiana della popolazione bianca degli Stati Uniti degli anni ’50 e ’60. Con naturale sicurezza, appare in situazioni da cui, come uomo nero, sarebbe stato escluso a causa della segregazione razziale.   Yuki Kihara (1975, Samoa). Nel video First Impressions: Paul Gauguin, crea una satira in stile talk show. I partecipanti discutono in modo irriverente i dipinti tahitiani di Paul Gauguin, affrontando le sue rappresentazioni stereotipate del genere e sviluppando letture queer che ribaltano l’iconografia del pittore. Omar Victor Diop & Lee Shulman, The Anonymous Project presents: Being There 54, 2023 © Omar Victor Diop & Lee Shulman, per gentile concessione degli artisti e Galerie MAGNIN-A CURA Nel corso del tempo, le fotografie storiche hanno spesso mostrato ingiustizie. In tutto il mondo, la macchina fotografica ha documentato lo sfruttamento dei corpi e della terra. Gli artisti della terza sezione reagiscono a queste immagini storiche con una forma di empatia radicale. Intervengono nelle fotografie, cercando di proteggere coloro che hanno subito ingiustizie davanti – e oltre – l’obiettivo. Queste opere ci ricordano che il passato non è davvero passato: le sue eco sono ancora avvertibili nel presente.   Artisti selezionati Sasha Huber (1975, Svizzera). Mostra come le fotografie storiche possano essere “rammendate” nella serie Tailoring Freedom. Con un gesto di cura furiosa, utilizza una graffettatrice per intervenire sulle immagini realizzate dal naturalista svizzero-americano Louis Agassiz, che nel 1850 fece fotografare persone schiavizzate nude nel tentativo di sostenere la sua teoria della “gerarchia delle razze”. Le graffette perforano l’immagine, creando un’armatura che protegge i soggetti rappresentati, sottraendoli allo sguardo colonialista.   Nel 1882, il pittore e fotografo statunitense Thomas Eakins realizzò fotografie di una bambina nera nuda. Oggi, queste immagini rivelano quanto i corpi dei bambini neri fossero sessualizzati e oggettificati. Mary Enoch Elizabeth Baxter (1981, USA). Interviene in quel momento fotografico, utilizzando il proprio corpo come uno scudo protettivo per la bambina.   Zenaéca Singh (2000, Sudafrica). I suoi antenati furono condotti dall’India alla colonia di Natal (attuale Sudafrica) come lavoratori a contratto nelle piantagioni di zucchero. Per Singh, lo zucchero non è solo un soggetto artistico: è una materia viva della memoria familiare. Incorpora le fotografie della sua famiglia nel vetro di zucchero, creando immagini fragili e luminose che invitano a uno sguardo intimo sulla propria storia. Sasha Huber, Tailoring Freedom – Delia, profile, 2023 © Sasha Huber, per gentile concessione dell’artista e Harvard University IN THE PHOTO FANTASTIC Le lacune nella storia scritta, le fratture nella propria biografia o le informazioni mancanti sulle persone raffigurate costituiscono il punto di partenza della sezione finale della mostra. Qui, gli artisti si basano sui metodi della critical fabulation sviluppati da Saidiya Hartman, in cui i vuoti della storia vengono colmati attraverso modalità immaginative. Gli artisti si dedicano a questa pratica visiva speculativa, che si costruisce a partire da frammenti storici, dando origine a scene in cui memoria e fantasia si intrecciano. Le figure rappresentate assumono nuovi ruoli, voci e identità. Gli artisti riescono così a liberare tali figure e a condurle in uno spazio ricco di possibilità, dove passato, presente e futuro si mescolano e dove, per un momento, il paradiso sembra a portata di mano.   Artisti selezionati Raphaël Barontini (1984, Francia). La sua arte è popolata da eroine che la storia ha ignorato. La sua ultima opera è basata su Nobosudru, una donna proveniente dall’attuale Repubblica Democratica del Congo, il cui ritratto fu scattato durante un viaggio in Africa organizzato da Citroën nel 1924–25. In Europa, la sua immagine divenne un simbolo della figura della “donna africana”. Barontini immagina quell’incontro dal punto di vista di Nobosudru, invertendo lo sguardo coloniale. Non più soggetto passivo della rappresentazione, ma autrice della propria storia.   Andrea Chung (1978, USA). Rielabora il mito afrofuturista di Drexciya, secondo cui le donne africane incinte, gettate in mare dalle navi negriere, avrebbero dato alla luce bambini capaci di vivere sott’acqua. Questi bambini avrebbero fondato un regno sottomarino paradisiaco, dove il trauma della schiavitù si trasforma in una storia di sopravvivenza, resistenza e futurismo nero. Chung immagina un museo per gli abitanti di Drexciya. Nelle sue opere compaiono i volti di donne nere tratti da fotografie storiche della collezione del Museo Rietberg, restituendo loro nuova visibilità. Raphaël Barontini, The Golden Ladies, 2026 © 2026, ProLitteris, Zurigo, per gentile concessione dell’artista Installation view, Tshepiso Moropa, Raphaël-Barontini Installation view, Tuli Mekondjo FOTOGRAFIE STORICHE Il Museum Rietberg custodisce una vasta collezione di fotografie scattate in Africa e in Asia tra la fine del XIX e l’inizio del XX secolo. Tra queste vi sono documentazioni visive etnografiche e coloniali, nonché fotografie di studio realizzate da fotografi africani e asiatici. Queste fotografie costituiscono un sottile filo conduttore che attraversa tutte le sezioni della mostra e, nelle loro nuove opere, gli artisti vi hanno attinto per rendere visibili i messaggi nascosti in queste immagini. Un film prodotto per una parte della mostra presenta le domande sollevate, le prospettive aperte e le interpretazioni offerte da questa collezione. Cattura momenti chiave di un workshop tenutosi presso il Museum Rietberg alla fine di marzo 2025, durante il quale artisti, ricercatori e curatori hanno studiato e lavorato insieme sulla collezione fotografica del museo. In questo spazio, i visitatori sono inoltre invitati a riflettere sulle proprie fotografie. Che cosa possono dirci le immagini sulla nostra storia e sui nostri ricordi? In che modo la nostra capacità di ricordare è influenzata dall’osservazione delle fotografie? Cittadini di Zurigo ci hanno permesso di dare uno sguardo ai loro album fotografici personali, condividendo con noi le loro storie. Questi archivi visivi personali crescono nel corso della mostra, creando un nuovo spazio di polifonia visiva.   Pubblicazione La mostra è accompagnata da un catalogo dettagliato, pubblicato in tedesco e inglese da Spector Books. Il catalogo è disponibile nel negozio del museo.

Rietberg Museum Il Museo Rietberg di Zurigo è uno dei più grandi musei d'arte della Svizzera. È dedicato all'arte delle culture tradizionali e contemporanee di Asia, Africa, America e Oceania. Le collezioni del museo comprendono 32.600 oggetti e 49.000 fotografie. Gli oggetti sono in gran parte accessibili nelle sale del museo e nel deposito aperto al pubblico. Le attività del Museo Rietberg sono caratterizzate da un alto livello di professionalità, inclusione e diversità e si rivolgono a un pubblico locale e internazionale. Il museo testimonia il legame della città di Zurigo con le culture del mondo e sensibilizza i singoli risultati artistici e la diversità religiosa e sociale. In questo modo, svolge un'importante missione culturale in un mondo sempre più globalizzato. Le collezioni di fama internazionale costituiscono la base di tutte le attività del museo e ne determinano la reputazione. Le opere richiedono una ricerca scientifica continua, compresa la ricerca sulla provenienza, rispetto alla quale il museo mantiene un approccio trasparente: i risultati della ricerca, sono ampiamente accessibili online e i curatori a disposizione per ogni domanda o chiarimento. Il Museo Rietberg è connesso a una rete di esperti nei vari settori culturali e a istituzioni culturali e collezionisti, sia a livello locale che internazionale. Nel dialogo con i Paesi d'origine, si concentra su collaborazioni a lungo termine, ad esempio, in Camerun, Perù, India e Pakistan. Il museo organizza due o tre grandi mostre temporanee all'anno, integrate da tre o quattro mostre più piccole che attingono alle sue collezioni interne. Le mostre temporanee sono prodotte talvolta all’interno del Museo e in altre occasioni sono il frutto di collaborazioni internazionali con musei e istituzioni dei Paesi d'origine e vogliono promuovere le culture extraeuropee e l'idea di tolleranza, dando così un esempio del cosmopolitismo della città di Zurigo. Il programma di edutainment del museo offre un'ampia gamma di attività ludiche ed educative con visite guidate, conferenze e laboratori, per il pubblico in generale, per i più piccoli come pure per gruppi, per professionisti, studenti o insegnanti. Uno dei compiti del museo è la conservazione e la manutenzione del complesso storico del Rietberg - una combinazione unica di arte extraeuropea (mostre e attività museali), storia locale (Villa Wesendonck, Park-Villa Rieter, Villa Schönberg), architettura contemporanea (lo Smaragd degli architetti Krischanitz/Grazioli e il padiglione estivo di Shigeru Ban) e la natura del parco da preservare.

QUASI UN PARADISO. FOTOGRAFIA DELL’ERA COLONIALE  NELL’ARTE CONTEMPORANEA 16 aprile 2026 – 6 settembre 2026   Museo Rietberg, Zurigo Kunst der Welt in Zürich Galblerstrasse 15 - 8002 Zürich, Svizzera rietberg.ch | @museumrietberg   Orari Aperto dal martedì alla domenica dalle 10.00 alle 17.00, il giovedì aperto fino alle 20.00. Lunedì chiuso Costo del biglietto CHF 18 intero / CHF 14 ridotto / gratuito <16 anni    Come arrivare: Tram 7 in direzione Wollishofen fino alla fermata "Museum Rietberg" (quattro fermate dopo Paradeplatz). Sono disponibili solo parcheggi per disabili