Degusta Vigna 2026 Grosjean Vins apre le porte della propria tenuta per vivere la viticoltura valdostana tra vino, musica e territorio

 

DegustaVigna Apèro – 24 luglio, 31 luglio e 21 agosto alle ore 18.00 DegustaVigna Dîner – 8 agosto     Quart, luglio 2026 – La famiglia Grosjean rinnova anche quest’anno l’appuntamento con Degusta Vigna, la rassegna di eventi ospitati nella propria azienda vitivinicola, pensata per offrire un’esperienza immersiva alla scoperta del territorio valdostano.   Dopo il successo della prima edizione, il progetto si conferma come un’iniziativa dedicata alla valorizzazione della viticoltura di montagna, dove il vino diventa racconto autentico di identità, paesaggio e passione.   Si inizia con DegustaVigna Apéro - 24 luglio, 31 luglio e, a seguire, 21 agosto ore 18 - tre appuntamenti tra i vigneti, con degustazioni e musica dal vivo. Ogni aperitivo si aprirà con una visita guidata della cantina, seguita da una passeggiata tra gli appezzamenti fino al cuore della tenuta, il cru Rovettaz. Qui gli ospiti potranno degustare tre vini selezionati, accompagnati da una raffinata selezione di formaggi e salumi locali. Durante la prima serata inaugurale sarà inoltre servita la birra artigianale L’Oriu, prodotto IGA 100% valdostano a km zero.   L’accompagnamento musicale sarà affidato ad Alberto Visconti, cantante locale, insieme alla Marco e Simon Band, storica formazione della regione.   L’8 agosto sarà la volta di DegustaVigna Dîner: una cena sotto le stelle nel cru Rovettaz. Un evento esclusivo realizzato in collaborazione con il catering Le Vélò per una proposta gastronomica di alto livello in abbinamento ai vini di Grosjean.   L’iniziativa sarà accompagnata dall’esibizione del Trio L’Orage, gruppo simbolo della musica di montagna e ambasciatore delle sonorità alpine.   Sottolinea Hervé Grosjean: “Questo progetto nasce grazie al forte legame della nostra famiglia con il territorio e alla volontà che da sempre ci spinge a promuovere le eccellenze agroalimentari della Valle d’Aosta. Ogni anno, infatti, la cantina collabora con realtà diverse del territorio, rafforzando una rete di valorizzazione condivisa. DegustaVigna si conferma così un’esperienza speciale unica, in cui il vino diventa il filo conduttore di un racconto che unisce territorio, cultura e passione”.   Per info e prenotazioni: https://visita.grosjeanvins.it/it/5c7a8ad726ca365a17e8a91f?lang=it&tag=degustavigna

Rossi per l’estate

 Sicilia Doc Frappato Dumè Bio 2025 Tenuta Gorghi Tondi

Un vino fragrante, floreale e fruttato, che nasce da vigneti coltivati in riva al mar Mediterraneo, nei pressi di Mazara del Vallo. Grazie a un delicato processo di vinificazione e affinamento in acciaio, preserva tutti gli esuberanti aromi varietali.  Un rosso leggero, con tannini sottili e una piacevole freschezza, in perfetta sintonia con il gusto contemporaneo. Molto versatile negli abbinamenti a tavola, è perfetto anche da servire leggermente freddo.

 

Etna Rosso Doc Monte Gorna Bio 2023 Tenute Nicosia

Le uve di nerello mascalese (90%) e nerello cappuccio (10%) provengono dai vigneti del piccolo vulcano spento del Monte Gorna, coltivati a un’altitudine di circa 700 metri sul versante sudorientale dell’Etna. Il vino matura per un periodo di circa 6 mesi in vasche d’acciaio e in barrique, per poi completare l’affinamento per 4 mesi in botte grande. È un rosso elegante, che esprime perfettamente il carattere raffinato e minerale dei grandi vini dell’Etna.

  

Etna Rosso Doc Tenute Bosco

È il frutto di un assemblaggio di nerello mascalese (90%) e nerello cappuccio (10%) coltivati in Contrada Piano dei Daini, sul versante nord del vulcano.  Al termine della fermentazione, il vino si affina in tonneau e barrique di rovere francese per 12 mesi. Un rosso fragrante, con tannini sottili, che esprime tutta la raffinata freschezza e la mineralità dei suoli vulcanici.

Sicilia Doc Nero d’Avola Coste a Preola Bio Tenuta Gorghi Tondi

Un rosso fruttato e vellutato, che nasce da vigneti coltivati in riva al mar Mediterraneo, nell’agro di Mazara del Vallo. Per preservare tutta la fragranza degli aromi del nero d’Avola, il vino viene affinato in acciaio, con un breve passaggio in botti grandi e barrique usate. Un rosso moderno, che conquista con profumi di piccoli frutti di bosco e delicati cenni speziati. Al palato è morbido e armonioso, con tannini setosi e un finale fresco e persistente.

Etna Rosso Doc Monte San Nicolò Bio 2023 Tenute Nicosia

Il vino nasce dai vigneti di nerello mascalese situati sul piccolo vulcano spento di Monte San Nicolò, a un’altitudine di circa 550-600 metri, sul versante sudorientale dell’Etna. Il vino matura per un periodo di circa 6 mesi in vasche d’acciaio e in barrique, per poi completare l’affinamento per 4 mesi in botte grande. Un rosso fragrante, con piacevoli note fruttate, floreali e sfumature delicatamente speziate.

Carema Doc 2022 Cantina Produttori Nebbiolo di Carema 

È il vino classico del territorio. Un nebbiolo in purezza vinificato in vasche d’acciaio a cui segue un affinamento di almeno due anni, di cui 12 mesi in grandi botti di rovere. Un nebbiolo di grande finezza espressiva, connotato da profumi di piccoli frutti rossi, cenni floreali e di erbe di montagna. Al palato è raffinato, con tannini fini e un finale profondo e piacevolmente fresco. 

 

Cerasuolo di Vittoria Docg Hybla Bio Tenute Nicosia

Il Cerasuolo Hybla è un’interpretazione moderna di un grande rosso della tradizione siciliana. Nasce da un assemblaggio di nero d’Avola e frappato, due vitigni storici della Sicilia sud orientale. Il vino si affina in acciaio e per un breve periodo in tonneau, in modo da acquisire la giusta armonia, conservando un profilo piacevolmente fruttato. Si distingue per fragranti note di piccoli frutti a bacca rossa e cenni floreali. Il sorso è scorrevole, con tannini fini e un finale fresco e fruttato.

 

Sicilia Doc Perricone Perrì Bio 2024 Tenuta Gorghi Tondi

Vitigno storico della Sicilia occidentale, nel corso degli ultimi anni, il perricone è stato riscoperto e valorizzato, dimostrando di possedere una personalità forte e originale. Tenuta Gorghi Tondi propone una versione di perricone vinificata in vasche d’acciaio e affinata sulle fecce fini in grandi botti di rovere francese da 20 hl per un periodo di 8 mesi. Una scelta che valorizza le caratteristiche tipiche del vitigno e del terroir. Conquista con profumi di frutti di bosco, cenni speziati e freschezza balsamica.

GIANLUCA CARRARO CONFERMATO PRESIDENTE DEL CONSORZIO TUTELA VINI COLLI EUGANEI

 

Il Consiglio di Amministrazione del Consorzio Vini Colli Euganei ha confermato il Presidente Gianluca Carraro, che inizia, quindi, il suo secondo mandato triennale consecutivo alla guida del Consorzio. Al suo fianco confermati i consiglieri: Giovanni Barbiero, Lorenzo Bertin, Valentino Bressanin, Simone Dalla Montà, Giorgio Salvan, Giorgia Veronese e Stefano Visintin ai quali di aggiunge, come nuovo entrato, Luca Calaon.

 

Il Consorzio continuerà a lavorare per raggiungere gli obiettivi previsti dal piano strategico, in particolare nella valorizzazione del Serprino, nel percorso di miglioramento dei grandi vini rossi dei Colli Euganei e nell’esaltare anche il Fior d’Arancio. Confermato inoltre l’impegno per promuovere ulteriormente la destinazione Colli Euganei, con iniziative ed eventi come il Serprino Festival che possano riversare nel territorio i benefici di un turismo interessato al vino, alla cultura ed alla natura.

 

Il Serprino è l’unica denominazione frizzante in Italia che rappresenta un’esclusività dei Colli e, come tale, vino simbolo della provincia di Padova. Queste bollicine “autoctone” sono protagoniste dell’annuale Serprino Festival (l’ultima edizione si è tenuta dal 20 giugno al 6 luglio) e del Vulcanico Serprino, che il 20 giugno 2026 ha visto la presenza di 26 cantine e degustazioni all’interno dell’iconica Abbazia di Praglia.

 

Il percorso di miglioramento dei grandi vini rossi dei Colli Euganei si concretizza invece con il progetto GREWIP (Great Red Euganean Wines Improvement Project) che prevede l’applicazione di protocolli di produzione specifici per l’area che vengono di volta in volta monitorati e valutati nei risultati mediante processi di co-decisione e co-creazione coinvolgendo tutti i partner (elenco completo a questo link), nonché attivando percorsi imitativi in aziende esterne al partenariato. L’obiettivo è creare un modello interattivo di innovazione basato su cooperazione e partecipazione, per sviluppare nella zona dei Colli Euganei la cultura dell’eccellenza vitivinicola, alla base della produzione di vini rossi di pregio.

Il Colli Euganei Fior d'Arancio DOCG (che a Vinitaly 2026 è stato protagonista con uno stand dedicato) è l’unico vino moscato giallo che viene prodotto in versione secco, spumante dolce e passito, specificità che lo rende unico nel suo genere.

Dal 2024 i Colli Euganei sono una Riserva della Biosfera MAB UNESCO, un’area che promuove un equilibrio virtuoso tra uomo e ambiente, unendo la tutela di una straordinaria biodiversità con pratiche di ecoturismo e agricoltura sostenibile.

 

 

 

 

Umberto Boccioni verso la liberazione futurista

 

7 agosto 2026 – 24 gennaio 2027 Museo d’arte della Svizzera italiana, Lugano   A cura di Cristina Sonderegger   Inaugurazione giovedì 6 agosto ore 18.00   masilugano.ch Umberto Boccioni, Nudo di spalle (Controluce), 1909, Olio su tela Mart, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto. Collezione L.F. Il MASI Lugano Museo d’arte della Svizzera italiana prosegue il ciclo di approfondimenti sulla storia dell’arte del Ticino e delle sue collezioni con un focus dedicato a Umberto Boccioni (Reggio Calabria 1882 – Verona 1916). La mostra offre una sintesi ravvicinata e intensa su una fase decisiva dell’evoluzione artistica di Boccioni, restituendo le tensioni, le incertezze e le contraddizioni immediatamente precedenti alla sua adesione al movimento futurista, di cui fu tra i principali fondatori e teorici. “Cerco, cerco, cerco, e non trovo. Troverò?” annota l’artista in una pagina del suo diario nel marzo 1907: questo interrogativo, che racchiude tutta l’inquietudine di quel periodo, attraversa l’intera mostra come un filo conduttore.   Dalle prime prove del 1903-1904 al difficile triennio 1907-1909 fino alle soluzioni formali e compositive del 1911, il progetto espositivo cristallizza quindi la traiettoria artistica di Boccioni, dal progressivo superamento della lezione divisionista con i temi paesaggistici e rurali, alla definizione di un linguaggio nuovo, in grado di dare forma alla modernità e al dinamismo della vita contemporanea. I diversi momenti di questa ricerca sono testimoniati, nella mostra al MASI, da un corpus di quindici lavori: a un nucleo di dipinti prefuturisti, donati alla Città di Lugano dagli eredi di Gabriele Chiattone, sostenitore e committente dell’artista durante gli anni milanesi, è accostata una puntuale selezione di opere cardine dei primi anni futuristi provenienti da importanti collezioni pubbliche e private.   Quello dedicato a Umberto Boccioni è il terzo e conclusivo appuntamento di un ciclo di mostre-dossier che ha visto come protagonisti, negli anni passati, figure chiave della storia dell’arte del Novecento, quali Alexej von Jawlensky (2023) e Ernst Ludwig Kirchner (2024) e che sono ospitate all’interno della presentazione della Collezione museale.

Umberto Boccioni, Campagna romana o Meriggio, 1903, Olio su tela Museo d’arte della Svizzera italiana, Lugano, Donazione Chiattone “Cerco, cerco, cerco, e non trovo. Troverò?” – il percorso espositivo   Il nucleo centrale della mostra al MASI è contraddistinto da una serie di paesaggi divisionisti datati 1908, provenienti dalle collezioni del Museo e inizialmente acquistati da Gabriele Chiattone direttamente dall’artista. Per il luganese Chiattone, titolare di una stamperia a Milano, Boccioni realizza infatti diversi progetti grafici tra il 1907 e il 1909, anni cruciali del suo percorso, segnati da incertezze economiche e dalla difficile ricerca di un nuovo linguaggio pittorico, a cui avrebbe posto termine solo la svolta futurista nel 1910. Dalle annotazioni del suo diario del 1907 emerge un giovane artista nauseato da quel «sentimentalismo moderno» con i suoi temi rurali – campi, quiete, casette e boschi – desideroso invece di dipingere «il nuovo» e il «tempo industriale». Eppure, è proprio attraverso quei soggetti che Boccioni cerca inizialmente ancora l'approvazione del pubblico e della critica.   Esemplare, in questo senso, è una delle sue prime prove a olio, Campagna romana o Meriggio, del 1903. Presentata alla LXXIV Esposizione Internazionale di Belle Arti della Società Amatori e Cultori delle Belle Arti di Roma, l’opera nasce nel solco del divisionismo e risente ancora della lezione di Giacomo Balla, maestro di Boccioni in quegli anni romani, durante i quali frequenta anche l’Accademia di Belle Arti. Prima della vendita a Chiattone nel 1908, Boccioni interviene però nuovamente sul dipinto con una pennellata più rapida e decisa, che esalta la brillantezza del colore e sembra segnare un primo, significativo allontanamento dal divisionismo realista del maestro. Nonostante la produzione di questo periodo sia variegata e altalenante, dal profilo dell’utilizzo del colore emerge però un primo cambiamento.   Se nel dipinto Campagna lombarda o Sinfonia campestre del 1908 pennellate di colore puro riproducono in maniera meticolosa e attenta le diverse tipologie di piante e insetti, in altri lavori si insinua infatti una visione diversa dello scorcio paesaggistico. In Casolare (1908), la pennellata filamentosa e vibrante restituisce una visione in movimento del paesaggio, forse colto dal finestrino di un treno. Una sensibilità analoga emerge in Contadini al lavoro o Risaiole, che presenta un formato disteso e l’orizzonte alto, soluzione cara a Boccioni in quegli anni. La stessa struttura compositiva si ritrova in Treno che passa (1908): qui la sagoma di un convoglio a vapore irrompe nella scena come un’ombra fuggevole e imprime un forte senso di dinamismo, che sembra preludere a successivi temi futuristi. Umberto Boccioni, Visioni simultanee,1911, Olio su tela Von der Heydt-Museums Wuppertal È una ricerca formale, quella di Boccioni, che inizia ad aderire a nuovi temi e soggetti e alle tensioni da cui scaturiscono: è la velocità della modernità nascente contro l’immobilità del passato rurale, la pittura della sintesi e dell’idea contro la pittura dal vero. La percezione contro la visione. In questo senso, all’interno del nucleo Chiattone, Sera d'Aprile (1908) merita uno sguardo particolare. Il dipinto, un paesaggio brumoso “fatto di memoria”, come scrive l’artista, è una precoce veduta della periferia urbana, in cui Boccioni si allontana dall’en plein air per avvicinarsi a una pittura fatta di suggestioni.   Contiene poi già le premesse di un’energia nuova, anticipatrice delle prime ricerche di impronta futurista lo straordinario Nudo di spalle (Controluce) del 1909, in cui l’artista ritrae la madre Cecilia Forlani di spalle, in un’inquadratura fortemente fotografica. L’ansia compositiva di Boccioni si risolve qui nella totale eliminazione dell’ambientazione di sfondo attraverso la luce, che non solo costruisce e illumina, ma trasfigura il dato visivo in senso poetico.   Nel Ritratto femminile (1911) l’integrazione tra figura e sfondo è messa invece in atto attraverso il colore: ancora orientato a una pittura fatta di suggestioni più che di restituzione puntuale del reale, Boccioni ne abbandona però l’uso naturalistico, risolvendo la componente cromatica e gestuale del ritratto in una potente vibrazione dinamica, seppur ancorata al linguaggio divisionista.   Il passaggio da una riflessione sul colore e sulla luce a quella sulla forma e sulle linee di forza – elementi cardine del vocabolario futurista – è evidente nel dipinto Visioni simultanee dello stesso anno.  Qui Boccioni si misura con la possibilità di rappresentare simultaneamente “le forme dell’ambiente esterno intessute all’estensione temporale della realtà interiore”. È una visione che nasce dal confronto con la lezione cubista, scoperta dall’artista durante il soggiorno parigino dell’autunno 1911, e che riflette il clima culturale del tempo, segnato dal progresso scientifico e dalla nuova coscienza della quarta dimensione elaborata da Einstein. I dipinti delle campagne lombarde sono ormai lontani: “a partire dalla fine del 1911 (fino a esaurimento nel 1914), la svolta al Futurismo di Boccioni appare definitivamente compiuta. Con il prosieguo delle ricerche apre nuovi orizzonti trovando, forse, soprattutto in ambito plastico gli esiti più originali e unici” sottolinea la curatrice Cristina Sonderegger. Umberto Boccioni, Ritratto femminile, 1911, Olio su tela Collezione della Fondazione Cariverona, Italia

Al Museo del Paesaggio di Verbania visite guidate alla mostra "Terre inquiete" di Tullio Pericoli con Ilaria Macchi

 

Prossime visite: 11 luglio, ore 15.30 8 agosto, ore 15.30 19 settembre, ore 15.30 17 ottobre, ore 15.30   Costo: 8 euro  Prenotazioni: prenotazioni@museodelpaesaggio.it   Mostra a cura di Elena Pontiggia  Fino al 1° novembre 2026   Museo del Paesaggio di Verbania Palazzo Viani Dugnani, Via Ruga 44 - Verbania Pallanza (Lago Maggiore)   www.museodelpaesaggio.it

Il Museo del Paesaggio di Verbania propone un ciclo di visite guidate alla mostra "Tullio Pericoli. Terre Inquiete", a cura di Elena Pontiggia, condotte da Ilaria Macchi.   Un'occasione per approfondire il percorso espositivo e scoprire un aspetto meno conosciuto della ricerca di Tullio Pericoli, andando oltre la sua celebre attività di disegnatore e ritrattista per esplorare il tema del paesaggio, al centro della sua produzione artistica. Un viaggio tra opere che raccontano una natura in continua trasformazione, dove segno, memoria e territorio dialogano con grande intensità.   Informazioni: Palazzo Viani Dugnani in via Ruga 44 Costo 8,00 euro a persona (5,00 per i soci) comprensivo di biglietto di ingresso al Museo e visita guidata alla mostra. Prenotazioni obbligatorie scrivendo a prenotazioni@museodelpaesaggio.it

LA MOSTRA Terre inquiete è la personale di Tullio Pericoli, curata da Elena Pontiggia, allestita al Museo del Paesaggio di Verbania, sul Lago Maggiore, fino al 1° novembre 2026 nella sede di Palazzo Viani Dugnani (via Ruga, 44).   Terre inquiete presenta la figura e l'opera di Tullio Pericoli attraverso uno dei temi a lui più cari e congeniali: quello della natura e del paesaggio. 50 le opere esposte, metà delle quali inedite. A partire dall’immagine-guida della mostra, “L’osservatore di paesaggi”: un uomo si affaccia su una veduta che diventa spunto per una riflessione sull’attualità.   Alla mostra si accompagna il catalogo edito dal Museo del Paesaggio di Verbania.   A lungo noto soprattutto per la sua attività di disegnatore e ritrattista, Pericoli ha in realtà sviluppato fin da ragazzo una coerente ricerca pittorica che ha avuto nel paesaggio il suo centro fondamentale. Ma l’artista precisa: “I miei non sono quadri di un paesaggista. Uso il paesaggio come una lingua che mi consente di esprimere le mie idee, per parlare anche di quanto sta avvenendo nel mondo”. Aggiunge Pericoli: “Non voglio lanciare messaggi ma capire qualcosa della pittura e farlo il meglio possibile. Il paesaggio diventa il mezzo per comunicare le mie sensazioni e la mia inquietudine rispetto alla realtà di oggi. La pittura non deve raccontare in modo troppo dichiarato ma filtrare il racconto con la complessità e molteplicità di significato delle immagini”.

Una pluralità di senso che troviamo anche nei titoli delle sue opere: descrivono volutamente solo in parte il soggetto, ne danno un suggerimento di interpretazione vago e parziale, lasciando allo spettatore il compito di completarne la lettura.   Elena Pontiggia approfondisce Terre Inquiete: "Tullio Pericoli nella sua ormai lunga ricerca ha trovato nel paesaggio un suo tema fondamentale. I suoi non sono mai stati paesaggi naturalistici, ma composizioni concettuali dove luoghi ed elementi erano reinventati in una sorta di cartografia araldica o di visione straniata. A partire dagli anni Novanta, in particolare, le sue composizioni hanno acuito un senso di frammentarietà in cui si è gradualmente insinuata una inquietudine sempre più forte”.   Nel panorama italiano di questi ultimi decenni Tullio Pericoli è stato uno degli artisti più attenti al tema della natura, interpretandolo però con un linguaggio pienamente contemporaneo, lontano dal verismo e dal naturalismo di ascendenza ottocentesca.   Da qui il contrappunto delle sue opere con la collezione permanente della Pinacoteca del Museo del Paesaggio che custodisce una vasta collezione di pittura piemontese e lombarda tra Otto e Novecento: dal verista Arnaldo Ferraguti al naturalismo di Guido Boggiani ed Eugenio Gignous.

“L’allestimento della mostra Terre Inquiete è stato pensato come un percorso immersivo e progressivo, capace di accompagnare il visitatore dentro la visione di Tullio Pericoli, dove il paesaggio si trasforma in racconto, memoria e tensione – racconta la direttrice artistica del Museo del Paesaggio Federica Rabai - . Non una semplice esposizione cronologica ma una costruzione per nuclei tematici e visivi, in cui le opere dialogano tra loro e con gli spazi di Palazzo Viani Dugnani, valorizzandone l’architettura e la luce”.   “Abbiamo voluto creare un ritmo espositivo - prosegue Rabai - che alternasse momenti più densi e stratificati ad altri più rarefatti, quasi contemplativi, per restituire al pubblico la complessità dello sguardo di Pericoli. Le opere sono disposte in modo da suggerire connessioni e rimandi, invitando il visitatore a cogliere le trasformazioni del paesaggio nel tempo e nella percezione”.   La mostra presenta quadri anche di grandi dimensioni, olio su tela, provenienti in gran parte dall’archivio dell’artista. E’ un’importante occasione per il Museo e per il territorio. Offre uno sguardo ampio e articolato sulla ricerca dell’artista, da sempre attenta al dialogo tra paesaggio, memoria e identità, mettendo in evidenza la coerenza e al tempo stesso l’evoluzione del suo linguaggio.   Sottolinea Federica Rabai: “La scelta di dedicare spazio a Tullio Pericoli nasce dalla forte affinità tra la sua indagine artistica e la vocazione del Museo del Paesaggio. Il suo lavoro, infatti, non si limita a rappresentare il territorio, ma lo interpreta in profondità, restituendone le tensioni geologiche, emotive e culturali. In questo senso, Pericoli è un artista che dialoga pienamente con l’identità del nostro Museo e con il paesaggio del Verbano, offrendo al pubblico strumenti nuovi per leggere e comprendere il rapporto tra uomo e ambiente. Con Terre Inquiete - conclude Rabai - intendiamo quindi proporre non solo una mostra, ma un’esperienza di riflessione sul paesaggio contemporaneo, sulle sue fragilità e sulle sue trasformazioni. Accogliere questa raccolta significa rafforzare la vocazione del Museo del Paesaggio quale spazio di confronto tra linguaggi artistici contemporanei e patrimonio culturale, favorendo al contempo nuove occasioni di riflessione e partecipazione per la comunità”.   “La mostra Terre Inquiete” si inserisce pienamente nel nostro impegno di valorizzazione dell’arte e del paesaggio – le parole del Presidente del Museo del Paesaggio Massimo Terzi - , confermando il nostro ruolo come punto di riferimento culturale aperto, dinamico e attento alle espressioni più significative del panorama artistico italiano”.   Le vedute di Pericoli si ispirano vagamente alla terra marchigiana dove è nato ma si esprimono liricamente e liberamente, divenendo paesaggi della fantasia e dell'anima. Ma se un tempo il paesaggio rappresentava quiete e pace interiore oggi la visione non è così tranquillizzante, siamo di fronte ad una natura sempre più minacciata.   Terre Inquiete offre un'immagine che si stacca dall’oggettività ma alla fine non smette di evocare il reale e le possibilità senza tempo del colore e della luce, con tocchi leggeri che raccontano di una grazia incantata e incantevole. Siamo alla catarsi, una sorta di consolazione che l’arte continuamente offre.   L’esposizione è realizzata col sostegno e patrocinio di Città di Verbania, Regione Piemonte e Distretto Turistico dei Laghi e delle Valli.   La mostra è cofinanziata da Unione Europea Fondo Europeo di Sviluppo Regionale, Stato italiano, Fondo di Rotazione, nell'ambito del Programma di Cooperazione Interreg VI-A Italia-Svizzera – progetto: Un posto dove sto bene.

CENTRALE FIES centro di ricerca per le pratiche performative contemporanee 16 - 26 luglio 2026 L’estate di Centrale Fies 2026

 

EXHIBITION OPENING + PERFORMANCE | Giovedì 16 luglio ore 18.00: Monia Ben Hamouda - opening mostra personale ore 20.00: Kat Válastur & Aho Ssan – MoonJar ore 21.00: Aho Ssan – live set   ***   17 - 19 luglio LIVE WORKS SUMMIT curato da Barbara Boninsegna e Simone Frangi   venerdì 17 luglio ore 17.00: Angeliki Tzortzakaki – lecture ore 18.30: Pina Danila Gambettola – The Third Bodies ore 19.30: Kristina Kusmina Dreit – Druzhba sent from my iPhone ore 21.30: Tiziano Cruz – Wayqeycuna ore 23.00: Juan Yung-Han – Picking on the Waves   sabato 18 luglio ore 17.00: Hannah Proctor – lecture ore 18.30: Pina Danila Gambettola – The Third Bodies ore 19.30: Luc Ndikumbwimana – RE-VEIL ore 20.30: Katerina Andreou & Melissa Guex – SHOUT TWICE ore 22.30: Publik Universal Frxnd – Born to Lose ore 23.00: Tim Bartel – REMAINS   domenica 19 luglio ore 17.00: Costanza Spina – lecture ore 18.30: Pina Danila Gambettola – The Third Bodies ore 19.30: Abdul Halik Azeez – Authentic Narrative of the Curious Espionage of an Unnamed Moor ore 21.30: Eleni Roberts Kazouri & Vladimir Babinchuk – STRIKE ore 22.30: Alif Hilal (fka Lyra Pramuk) – a/v concert   Ulteriori informazioni e prenotazioni al seguente link   www.centralefies.it

Giovedì 16 luglio apre l'estate di Centrale Fies il programma di LIVE WORKS SUMMIT (16-17-18-19 luglio 2026) che rappresenta il momento culminante di un processo annuale che unisce scouting, supporto ad artisti emergenti e monitoraggio dei linguaggi performativi contemporanei più innovativi e transdisciplinari. Ad inaugurare la giornata, la mostra personale di Monia Ben Hamouda a cura di Simone Frangi e Barbara Boninsegna, che sarà visitabile da giovedì 16 al 26 luglio dalle 18.00 alle 24.00   Ad accompagnare l’apertura della mostra, la performance di Kat Válastur & Aho Ssan, MoonJar (dalle ore 20,00), un’interazione poetica tra suono e movimento. Ispirandosi agli antichi miti della creazione e alla matericità dell’argilla, Válastur e Ssan trasformano lo spazio in un “vaso” magico generatore di suoni, all’interno del quale viene messo in scena un rituale di rinnovamento utilizzando le opere in ceramica dell’artista e ceramista Latika Nehra, che richiamano reliquie e ossa.   La coreografia dialoga con questi oggetti e con i suoni che essi veicolano, evocando preistorici antenati. I movimenti a spirale e circolari di Válastur tracciano archi che riecheggiano i cicli lunari e le torsioni elicoidali del DNA.   A concludere la serata il live set di Aho Ssan (dalle 21,00), compositore e sound designer di musica elettronica di base a Parigi. La sua musica mixa suoni elettronici molto complessi con battiti e ritmi per raccontare la sua esperienza di vita. Ha suonato in molti posti famosi, incluso il Lincoln Center a New York.   La mostra personale di Monia Ben Hamouda, la performance di Kat Válastur & Aho Ssan  e il live set di Aho Ssan articolano una riflessione sulle tensioni del nostro mondo sensibile verso il metafisico e l’immateriale.   La personale di Monia Ben Hamouda è un invito ad abitare la complessità, ad accogliere ciò che sfugge alle definizioni e a riconoscere nel linguaggio uno dei luoghi in cui si depositano le eredità che ci attraversano. Nata a Milano da famiglia tunisina, Monia Ben Hamouda, ha sviluppato negli anni una ricerca che attraversa la storia dell’arte del Medio Oriente e quella dell’Europa occidentale, interrogando il linguaggio come qualcosa di vivo, capace di mutare, spostarsi e generare continuamente nuovi significati. Al centro del suo lavoro c’è l’eredità della calligrafia islamica trasmessa dal padre, non una tradizione da preservare immobile, ma una materia in movimento da cui far emergere nuove forme e nuove possibilità di relazione. Sculture monumentali in acciaio, sabbia e spezie abitano lo spazio espositivo trasformandolo in un paesaggio fatto di segni, odori, colori e presenze. In dialogo con la tradizione dell’aniconismo, che privilegia il testo e l’ornamento rispetto  alla rappresentazione figurativa, Ben Hamouda costruisce opere che sfuggono a una lettura univoca. Ispirandosi alla poesia najdita, una forma vernacolare nata nella Penisola Arabica del XVI secolo, immagina il linguaggio come qualcosa che attraversa il tempo e le geografie, si trasforma, migra e resiste. A Centrale Fies le grandi sculture sospese sembrano sottrarsi alla gravità, mentre la sabbia invade parzialmente lo spazio espositivo sottoponendo le opere a un lento processo di trasformazione. Non una rovina, ma un modo per interrogare il tempo, la stratificazione della storia e le forme attraverso cui le memorie vengono custodite, tramandate o dimenticate.   Otto artisti selezionati nel 2025 tramite una call internazionale dal board curatoriale di Centrale Fies, composto da Barbara Boninsegna, Simone Frangi, Mackda Ghebremariam Tesfau’, Justin Randolph Thompson, con la curatela esecutiva di Maria Chemello, presentano performance messe a punto durante un anno di residenze, mentorship e formazione. Dal 17 a 19 luglio il pubblico ha l’occasione di assistere alle performance originali di Pina Danila Gambettola (17/18/19 luglio ore 18.30), con The Third Bodies, una performance che prende avvio da un confronto tra la medium Eusapia Palladino e l’antropologo Cesare Lombroso, alla fine dell’Ottocento. A seguire alle ore 20, Kristina Kusmina Dreit presenta Druzhba sent from my iPhone. La performance e l’installazione nascono da un sottile parallelo tra i dipinti del Realismo Socialista e i gesti e le pose presenti nelle fotografie di famiglia dell’artista. Guest artist di venerdì 17 è Tiziano Cruz con Wayqeycuna, ultimo capitolo della trilogia “Tres Maneras de Cantarle a una Montaña”, in cui l’artista articola, attraverso una serie di gesti poetici, i suoi ricordi d’infanzia dell’entroterra dell’Argentina settentrionale con manifesti politici sul mercato dell’arte e sui privilegi di classe. Infine Juan Yung Han con Picking on the Waves esplora  attraverso l’animazione il modo in cui gli eventi storici imprimono un movimento persistente nei corpi e nella materia. Parte della programmazione estiva, Luc Ndikubwimana, selezionato per la borsa di studio nominata ad Agitu Ideo Gudeta, fellowship pensata come una forma di affirmative action, dal 2025 in collaborazione con Palazzo Grassi e Fondazione Re Rebaudengo, per contrastare l’assenza di diversità nel panorama artistico legata a barriere materiali e simboliche concrete che si verificano spesso nell’ambito della razzializzazione. Luc Ndikubwimana presenta Re-Veil (sabato 18, ore 19.30) in cui si concentra sullo smascheramento degli archivi ai quali attingiamo quotidianamente evidenziando come siano ancora privi di un approccio decoloniale.   Guest della serata Katerina Andreou e Mélissa Guex che si uniscono in una performance vibrante in cui l’urlo diventa atto di trasformazione dal titolo SHOUT TWICE. A seguire in Sala Comando Publik Universal Frxnd (ore 22.30) presenta Born to Lose, una nuova installazione scultorea e un’esplorazione sonora della morte intesa come transizione da uno stato all’altro, che si articola attraverso l’uso di musica, canne d’organo in legno appositamente realizzate, canto corale e opere scultoree “attivate”. Con REMAINS Tim Bartel esplora l’ambiguità intrinseca del linguaggio attraverso costruzioni e performance basate sull’abbigliamento.   Domenica 19 Abdul Halik Azeez, artista multidisciplinare originario di Colombo, Sri Lanka, indaga le intersezioni tra tardo capitalismo, colonialismo e i processi di costruzione della memoria, della storia e delle politiche identitarie. In Authentic Narrative of the Curious Espionage of an Unnamed Moor il Professor Ifurbad Imurdad inaugurerà la Conferenza Intergalattica sull’Archeologia Mnemonica (ICOMA) presentando le ultime ricerche del Dipartimento MAD (Mnemonics Archaeology Department) dell’Institute of Consummate Memory. Eleni Roberts Kazouri e Vladimir Babinchuk presentano STRIKE, eco di una lotta, in cui tre performer lavorano a partire dalla persistenza di un’immagine di strada, in una lunga sala di cemento che si legge come un corridoio.   A chiudere il weekend di Live Works Summit, la guest artist Alif Hilal (fka Lyra Pramuk) a evocare una rara forma di musica dall’approccio devozionale, di ascolto profondo, contemplazione e trasformazione, quasi un rituale. Artista multidisciplinare americana residente a Berlino (vocalist, compositrice, produttrice, DJ, performer e astrologa), Alif Hilal  fonde il potenziale illimitato della voce umana con la magia della tecnologia.   Durante il weekend si terranno le free school, ossia, incontri e lezioni aperte al pubblico a rinforzare le linee culturali e i processi sommersi che guidano la programmazione di Centrale Fies e che costituiscono parte del suo valore. Un momento di “espansione” attraverso lezioni e talk. Ad attivare spazio e pensiero sono: Angeliki Tzortzakaki scrittrice, curatrice e docente nata a Creta e residente ad Amsterdam. La sua pratica, spesso collaborativa e performativa, è stata presentata e pubblicata nei Paesi Bassi e a livello internazionale, presenta una lecture venerdì 17; Hannah Proctor, storica presso la University of Strathclyde, a Glasgow, è ospite a Centrale Fies sabato 18. Attualmente sta lavorando a due progetti editoriali: Communist Cases, dedicato alle scienze sociali negli Stati Uniti durante la Guerra Fredda, e una storia dei “lunghi anni Novanta”. Domenica 19 è la volta di Costanza Spina, vive in Francia da quindici anni, dove ha frequentato Science Po, Istituto di scienze politiche di Rennes. Fonda Manifesto XXI, una delle prime testate queer in Francia.   Il programma prosegue il 22 luglio con Bagnomaria (Milano), Chiara Tagliaferri, Gianluca D’Incà Levis: un’intera giornata dedicata al progetto The Sparks Return, piattaforma di ricerca e alleanza tra pratiche artistiche, territori e comunità. L'estate di chiude con LOVE IS POLITICAL (23-24-25-26 luglio 2026) con Anagoor, Annamaria Ajmone, Chiara Bersani con Lemmo, Dewey Dell, Francesca Pennini / CollettivO CineticO, Industria Indipendente, Laura Tripaldi, LIMINAL, Mali Weil, Michele Bertolino, MOTUS, OPEN GROUP, Rifugio Amore, Sofia Baldi Pighi, Violetta Cottini, Wissal Houbabi, il capitolo dell'estate di Centrale Fies dedicato alle relazioni che attraversano il tempo e continuano a trasformarsi.

PROGRAMMA E PROTAGONISTI   EXHIBITION Mostra personale di Monia Ben Hamouda a cura di Simone Frangi e Barbara Boninsegna 16 - 26 luglio 2026   BLUE BLUE BLUE LIMBO – un-archive, mostra di Industria Indipendente a cura di Michele Bertolino dal 23 al 26 luglio 2026   LIVE WORKS SUMMIT a cura di Barbara Boninsegna e Simone Frangi  17-18-19 luglio 2026 con Tim Bartel, Publik Universal Frxnd, Kristina Kusmina Dreit, Pina Danila Gambettola, Abdul Halik Azeez, Eleni Roberts Kazouri e Vladimir Babinchuk, Juan Yung Han, Luc Ndikubwimana (AGITU IDEO GUDETA FELLOW a cura di Simone Frangi e Barbara Boninsegna con Mackda Ghebremariam Tesfau’ e Justin Randolph Thompson), Alif Hilal (fka Lyra Pramuk), Katerina Andreou & Mélissa Guex, Tiziano Cruz, Kat Válastur & Aho Ssan THE SPARKS RETURN a cura di Virginia Sommadossi ed Elisa Di Liberato 22 luglio 2026 con Collettivo Bagnomaria, Chiara Tagliaferri, Gianluca D’Incà Levis, P. Parenti, Pierangelo Giacomuzzi e Stefania Santoni   LOVE IS POLITICAL a cura di Centrale Fies 23-24-25-26 luglio 2026 con Anagoor, Annamaria Ajmone, Chiara Bersani con Lemmo, Dewey Dell, Francesca Pennini / CollettivO CineticO, Industria Indipendente, Laura Tripaldi, LIMINAL, Mali Weil, Michele Bertolino, MOTUS, OPEN GROUP, Rifugio Amore, Sofia Baldi Pighi, Violetta Cottini, Wissal Houbabi, Rifugio Amore con KUNTHUG, Kobramulata e Mantis