APERTA LA MOSTRA WILD BY DESIGN di Marco Grasso

 

A cura di Elena Di Raddo  Organizzata dalla Loffredo Foundation for Arts & Inclusion con Iconic Art System   Fino al 13 aprile 2026 ADI Design Museum Piazza Compasso d’Oro 1, Milano

La Loffredo Foundation for Arts & Inclusion presenta la mostra Wild by Design dell’artista contemporaneo Marco Grasso, in programma dal 31 marzo al 13 aprile 2026 negli spazi espositivi dell’ADI Design Museum di Milano. Un dialogo semplice ma rivoluzionario tra natura e design, per dimostrare che sono due facce di una stessa ricerca, incessante e bellissima, di soluzioni che possano unire funzionalità, sostenibilità e bellezza.   Wild by Design è la nuova mostra del giovane artista Marco Grasso, classe 2000, a cura di Elena Di Raddo, ospitata dal 1° al 13 aprile 2026 all’ADI Design Museum e realizzata grazie al sostegno della Loffredo Foundation for Arts & Inclusion, realtà che supporta giovani artisti emergenti e non solo, nella formazione e nella loro crescita professionale, per valorizzarne il talento e generare attraverso l’arte un impatto reale, culturale e sociale. Lo fa attraverso Iconic Art System, un ecosistema culturale integrato, fisico e virtuale insieme, dove il dialogo tra pubblico, collezionisti e professionisti dell’arte diventa parte integrante del processo culturale.   Marco Grasso è un pittore specializzato in wildlife art, ossia dipinge ritratti in olio su tela di animali colti inatteggiamenti o situazioni che fanno emergere le loro peculiarità fisiche e caratteriali. I soggetti sono colti in tutta la loro magnificenza e unicità attraverso lo strumento pittorico, analizzati nei minimi dettagli con uno sguardo fotografico.   L’artista racconta: “Quando ero bambino, andavo con mio fratello Nicolò nei boschi del Piemonte all'alba. Ci dicevamo sempre: 'Guarda come vola quel gufo - non fa rumore.' Anni dopo, ho scoperto che gli ingegneri della Siemens hanno passato mesi a studiare esattamente quelle piume, quelle micro-dentellature sui bordi delle ali che frantumano il flusso d'aria. Oggi, le pale eoliche più silenziose del mondo replicano quella stessa geometria”.   Da questa intuizione ha preso forma l’idea della mostra e quella di ambientarla proprio all’ADI Design Museum, istituzione milanese che diffonde la cultura del design a livello nazionale e internazionale attraverso la produzione di mostre temporanee e la custodia e mostra permanente della collezione storica del premio Compasso d’Oro, "bene di eccezionale interesse artistico e storico" riconosciuto dal Ministero della Cultura dal 2004. Sì, perché la natura può essere considerata la prima designer della storia e probabilmente la più geniale. Con Wild by Design si vuole scardinare infatti la distinzione che vede la Natura, forza ancestrale e incontaminata, contrapposta al Design, espressione dell’artificio e della volontà umana. La natura non è l'antitesi del progetto, ma il suo primo, più geniale e instancabile autore. Gli animali, dunque, come quelli che popolano le tele di Marco Grasso, sono dei prototipi perfetti, non solo soggetti estetici ma soluzioni viventi a problemi complessi e quindi con una loro funzione intrinseca.   Anche il concetto di sostenibilità assume un’accezione più ampia in questo contesto: non è un'opzione etica moderna, ma è il principio fondativo della vita stessa. L’evoluzione è un’economia circolare perfetta in cui ogni animale è di per sé sostenibile al 100% non perché è buono o etico, ma perché altrimenti non esisterebbe.   Il percorso espositivo prende il via al piano terra del Museo con un’installazione digitale a cura di Parallelia AI Creative Studio, che mostra proprio come natura animale e oggetti di design sono una l’origine dell’altro.   La mostra si divide in quattro sezioni, la prima dedicata al mimetismo strutturale e cinetico. L’opera Flight, ad esempio, raffigura un martin pescatore, esemplare noto per il suo becco affusolato, che gli permette di tuffarsi in acqua ad alta velocità. Questo volatile ispirò l’ingegnere e appassionato birdwatcher Eiji Nakatsu per il miglioramento del celebre treno Shinkansen, detto il treno proiettile giapponese, che ridisegnò il muso del veicolo secondo la forma del becco dell’uccello, risolvendo così problematiche relative alla rumorosità, al consumo e alla velocità e diventando un esempio internazionale di efficienza aerodinamica. La seconda sezione riflette sulla guerra ottica e alla brand identity, mostrando come la natura utilizzi pattern non come decori, ma come sistemi di comunicazione e protezione. Come la coppia di zebre in Love in Black and White, e il leone ruggente in Born of Fire, specie in cui il disorientamento delle strisce o l’armatura psicologica della criniera creano un’illusione ottica. Matematica della natura e sostenibilità è il tema della terza parte in cui le opere di Grasso vengono associale all’idea che la bellezza naturale risponde a precise leggi matematiche studiate e applicate dai designer. Infine la quarta sezione è dedicata all’integrazione funzionale e al futuro, l'ultimo livello dell'approccio biomimetico dove la forma abita la funzione stessa, come nell’opera Grace che ritrae un cigno dal collo sinuoso. Marco Grasso con la sua arte e con questi ritratti, non ci sta solo mostrando animali bellissimi, ma ci sta offrendo nuove chiavi di lettura. Ogni pennellata cattura non solo la forma, ma la funzione. Non solo l'aspetto, ma il principio. È arte che diventa conoscenza. È conoscenza primordiale che diventa atto creativo. Le sue tele non vanno guardate solo con gli occhi dell'amante dell'arte, ma anche con gli occhi del designer, dell'ingegnere, del curioso.

La Fondazione Adolfo Pini amplia le occasioni di visita della mostra permanente grazie alla collaborazione con il Touring Club Italiano

 

Dopo aver recentemente esteso i propri orari di apertura al pubblico dal lunedì al venerdì, dalle 10.00 alle 19.00, a partire dal mese di aprile la mostra permanente sarà visitabile anche in nuove fasce orarie straordinarie, con un’apertura serale il primo giovedì del mese e un’apertura nel fine settimana il primo sabato del mese (salvo festività). La Fondazione Adolfo Pini annuncia un ulteriore passo nel proprio impegno per rendere la mostra permanente dedicata a Renzo Bongiovanni Radice sempre più accessibile e inclusiva. L’iniziativa prende forma grazie alla collaborazione con il progetto Aperti Per Voi del Touring Club Italiano, che favorisce la visita di luoghi di cultura attraverso il coinvolgimento attivo dei Volontari. Nel dettaglio, la mostra Renzo Bongiovanni Radice: Un lungo e meditato atto d’amore, a cura di Silvia Bolamperti, sarà aperta al pubblico anche: il primo giovedì del mese, dalle ore 18.00 alle 20.00 il primo sabato del mese, dalle ore 10.00 alle 14.00 Qualora tali giornate coincidano con una festività, l’apertura straordinaria sarà posticipata alla settimana successiva. Queste nuove aperture rappresentano un’opportunità per ampliare la partecipazione e favorire l’incontro tra la Fondazione e un pubblico sempre più diversificato, offrendo occasioni di visita anche al di fuori degli orari tradizionali.

“La collaborazione con Aperti Per Voi del Touring Club Italiano – dichiara Silvia Bolamperti, Responsabile del Dipartimento Cultura della Fondazione Adolfo Pini – rappresenta un’importante occasione per valorizzare l’opera di Renzo Bongiovanni Radice (1899-1970) e rafforzare l’inclusione culturale e l’apertura verso la comunità”. L’accesso alla mostra permanente durante le nuove fasce è su prenotazione. Per ulteriori informazioni è possibile consultare il nostro sito web.

Pasqua 2026 all’Antica Pasticceria Castino: tradizione e creatività in forma di colomba

 

Le creazioni del pastry chef Davide Muro tornano nella versione primaverile

C’è un profumo che appartiene alla Pasqua e alla leggerezza della primavera, al tempo che si apre e alle cose fatte con cura. È quello che si sprigiona ogni mattina dal laboratorio dell’Antica Pasticceria Castino di Pinerolo.

Qui la parola “antica” non è nostalgia, ma radice: un punto di partenza da cui ogni giorno prende forma una nuova idea. Da anni, Davide Muro porta avanti una selezione di colombe che attraversa la tradizione e la rinnova: accanto alle versioni classiche, convivono interpretazioni innovative, dolci e salate, nate da una ricerca costante e da uno sguardo curioso sul presente. Perché per l’Antica Pasticceria Castino la tradizione non è qualcosa di statico, ma un terreno fertile da coltivare con rispetto e immaginazione.

 

La Pasqua di Castino

Al centro della Pasqua di Castino c’è la Colomba classica: un grande lievitato che racchiude il senso più autentico della tradizione. Soffice, profumata di agrumi canditi e vaniglia naturale, con una glassa croccante di mandorle e zucchero, racconta una storia fatta di tempo, gesti precisi e rispetto per la materia. L’alveolatura ampia, il colore dorato e il profumo persistente sono il risultato di lunghe lievitazioni e di una lavorazione attenta, che segue i ritmi naturali dell’impasto.

Ma accanto a questo amore per la tradizione, nel laboratorio di Castino convivono curiosità e sperimentazione continua. “Non c’è innovazione senza radici” racconta Muro, “ma non c’è tradizione viva se non la si mette alla prova, se non si cerca di capire come può parlare al presente.”

 

Un percorso di ricerca che anche nel 2025 ha trovato un importante riconoscimento: la Colomba salata di Davide Muro è stata premiata come Miglior Colomba artigianale salata d’Italia al concorso Divina Colomba, riconfermando l’Antica Pasticceria Castino come uno dei punti di riferimento per l’alta pasticceria.

Una colomba salata ispirata a una delle ricette iconiche della cucina tradizionale siciliana, la pasta alla norma: un impasto soffice e profumato, lievitato naturalmente con lievito madre, che racchiude un mix di sapori mediterranei, evocando il mare, il sole e la convivialità delle grandi tavolate. Una colomba particolare, pensata non solo per le tavole di Pasqua ma anche per l’aperitivo, da condividere in convivialità e leggerezza.

È così che nascono nel laboratorio di Castino le nuove interpretazioni della Colomba, pensate per dialogare con la stagione primaverile e con un gusto contemporaneo. Agrumi e spezie leggere, note floreali, consistenze che sorprendono: ogni creazione è un equilibrio tra memoria e ricerca. Il risultato è un lievitato capace di evocare la Pasqua nella sua forma più autentica, ma anche di accompagnare i giorni che la seguono, con una freschezza e una leggerezza pensate per durare nel tempo.

 

Non solo colombe: protagoniste anche le uova di Pasqua artigianali, realizzate con pregiato cioccolato fondente e al latte secondo tradizione, e la piccola pasticceria fresca piemontese. Il pastry chef Davide Muro continua a intrecciare radici e innovazione, passando dalla bignoleria storica a creazioni rivisitate in chiave contemporanea. Perché per l’Antica Pasticceria Castino non si tratta soltanto di gusto, ma di autentica eleganza.

 

Premi e riconoscimenti

I grandi lievitati dell’Antica Pasticceria Castino e del suo pastry Chef Davide Muro hanno ricevuto vari riconoscimenti per la loro qualità e creatività. Anche nel 2020, vincono il primo premio al concorso “Una Mole di Panettoni” con un panettone salato al pesto, pomodorini, olive taggiasche e parmigiano, oltre a  un terzo posto con il panettone glassato tradizionale piemontese e una finale per il panettone Moretto. Nel 2021, sono stati premiati con il terzo posto per la colomba creativa al marzapane e ha vinto il primo premio con un panettone salato al peperone e acciughe. Hanno anche ottenuto la semifinale con il panettone Milano al “Panettone World Championship.” Più recentemente, nel 2024, ha conquistato il primo premio con una colomba salata ai porcini e salame valsusino al concorso “Divina colomba.”

 

L’Antica Pasticceria Castino – la storia

Troviamo le origini quando Giuseppe Castino insieme alla consorte Margherita Cleretti, discendente di una celebre famiglia di pasticceri, acquista nel 1925 l’antica confetteria Fabbre sotto i portici di Piazza Duomo, a Pinerolo. In un clima internazionale, tra giovani ed eleganti ufficiali e nobili famiglie che popolano Pinerolo, la Città della cavalleria, Castino, cresciuto alla scuola di Stratta, Moriondo e Baratti, gode di un’ampia fama che va ben al di là di Pinerolo. In molti lo conoscono come il “Michelangelo del cioccolato”. Abile nella decorazione e innovativo nel preparare una vastissima gamma di leccornie dolci e salate. Verso gli anni ’30 Castino dà vita a una sua creazione che è diventata insieme al panettone il dolce simbolo di Pinerolo: la Torta Zurigo-Castino, si origini nobili poiché commissionata da Jolanda di Savoia in persona.

Dopo un periodo di chiusura, la pasticceria riapre il 24 dicembre 2014 grazie a una famiglia di imprenditori pinerolesi, determinata a riportare alla luce una realtà così significativa per il territorio. La riapertura avviene con la gentile concessione del nome da parte di Gemma Castino, figlia del pasticcere fondatore dello storico locale. Boiserie in legno, poltroncine di velluto ed eleganti vetrine ricreano un’atmosfera d’altri tempi.

 

Antica Pasticceria Castino

Piazza San Donato, 42

Pinerolo (TO)

https://anticapasticceriacastino.it

facebook: anticapasticceriacastino

instagram: anticapasticceriacastino/

Molteplice senza disordine Alice Cattaneo, Elisabetta Di Maggio, Remo Salvadori a cura di Enrico Camprini

 

19 aprile – 28 giugno 2026 Inaugurazione: domenica 19 aprile, ore 11 Fondazione Sabe per l’arte Via Giovanni Pascoli 31, Ravenna

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Domenica 19 aprile 2026 alle ore 11, la Fondazione Sabe per l’arte di Ravenna presenta Molteplice senza disordine, mostra di Alice Cattaneo (Milano, 1976), Elisabetta Di Maggio (Milano, 1964) e Remo Salvadori (Cerreto Guidi, 1947), a cura di Enrico Camprini.   “Un insieme molteplice senza disordine” sono le parole che Borges, in un racconto de L’Aleph, utilizza per descrivere la città di Ravenna e un primo incontro con essa. Il titolo della mostra fa propria questa formula per alludere, da un lato, all’incontro di Cattaneo, Di Maggio e Salvadori nella presente occasione, ed evocare, dall’altro, l’esposizione stessa, nonché le singole opere, come espressione della ricerca di un equilibrio, della sintesi multiforme di sguardi, pensieri e gesti.   Il progetto si propone di mettere in rapporto le pratiche di artisti appartenenti a tre diverse generazioni in un’inedita conversazione. Le opere presentate, alcune delle quali realizzate per l’occasione, abitano lo spazio espositivo come presenze autonome; la relazione tra loro, infatti, non si esplicita tanto sul piano formale quanto su una reciproca tensione poetica che si risolve in una connessione peculiare tra opera e spettatore: ciascuna secondo uno specifico approccio, come una messa al vaglio dello sguardo e della nostra presenza nello spazio e nel tempo.   Nel caso di Alice Cattaneo, mediante forme di esplicita antimonumentalità scultorea data da elementi giustapposti, sempre in bilico tra la dimensione primigenia della materia e l’immagine mentale che origina il lavoro, in uno stato di apparente fragilità; tale condizione, per Elisabetta Di Maggio, si manifesta invece nell’interazione tra l’agire dell’artista e la fisionomia di forme vegetali e materiali organici, per rivelare trame e pattern percettivi grazie a meticolosi intagli. Remo Salvadori, infine, da decenni sviluppa una pratica che pone al suo centro la relazione come istanza essenziale: tra opera e spettatore, ma soprattutto al cuore dei processi creativi che coinvolgono i materiali di sculture e installazioni – cristallizzazioni di energia che riconnettono lo spazio fisico del qui e ora con la dimensione dell’eterno.   Alice Cattaneo (Milano 1976) ha studiato Environmental Art alla Glasgow School of Art e nel 2004 ha conseguito un MFA in scultura al San Francisco Art Institute. Fin dai suoi esordi Alice Cattaneo lavora dal punto di vista spaziale con forme e materiali spesso intesi nella loro essenza e facendo riferimento a pesi ed equilibri ma anche alla loro mancanza. In occasioni di mostre personali e collettive ha collaborato con numerosi spazi e istituzioni, tra cui: Ikon Gallery, Birmingham; MAXXI, Roma (2007); MADRE, Napoli; Palazzo Grassi, Venezia (2008); Musée d’Art Moderne di Saint-Etienne (2009); Hangar Bicocca, Milano (2010); Collezione Maramotti, Reggio Emilia; Frankfurter Kunstverein (2011); Galerie Stadtpark, Krems; Guangzhou Triennale (2012); Castello di Rivoli (2014); Galleria Hubert Winter, Vienna (2017); Museo del Novecento, Milano (2018); ZKM Center for Art and Media, Karlsruhe (2019); Istituto Italiano di Cultura di Nuova Delhi (2024). Nel 2025 espone alla GAM di Torino nella mostra personale Dove lo spazio chiama il segno.   Elisabetta Di Maggio (Milano, 1964) vive e lavora a Venezia. Da molti anni porta avanti un’indagine che mette in evidenza due elementi fondamentali della vita: la rete di comunicazioni essenziali a trasmettere le informazioni e il tempo necessario affinché questi processi abbiano luogo. Il suo lavoro cerca di mostrare le strette connessioni tra trame, circuiti, griglie, strutture e reti appartenenti a diversi contesti, inscindibili dalla nostra esistenza, dalla nostra quotidianità. Tra le recenti mostre personali si segnalano: Frangibile, GAM, Torino (2025/26); Punto Improprio, Galleria Christian Stein, Milano (2025); In-Attesa, Studio Trisorio, Napoli (2023/24). Ha esposto in numerose istituzioni in Italia e all’estero e ha partecipato alla XV Quadriennale di Roma (2008) e alla XLV Biennale d’Arte di Venezia (1993).   Tra i maggiori artisti italiani della sua generazione, Remo Salvadori (1947) ha sviluppato a partire dagli anni Settanta un linguaggio personale che si esprime attraverso scultura, installazione e interventi site-specific. Fondata sull’interazione tra l’osservatore ed elementi quali l’acqua, il colore e i metalli, l’opera di Salvadori si propone con una rinnovata formulazione, che si definisce attraverso mutazioni alchemiche e flussi di conoscenza, ed è in grado di offrire una nuova consapevolezza di sé e del mondo. Nel corso della carriera ha partecipato più volte a documenta Kassel e alla Biennale di Venezia, esponendo in istituzioni internazionali quali l’AGO, Art Gallery of Ontario, lo Stedeljik Museum, Amsterdam, Centre National d’Art Contemporain de Grenoble, Kunstmuseum Winterthur, il Mori Art Museum, Tokyo, l’IVAM - Institut Valencià d'Art Modern, Tophane-i-Amire, Istanbul e Stiftung Insel Hombroich, Neuss, oltre che in numerosi musei italiani. Nel 2025 ha tenuto una mostra personale al Palazzo Reale di Milano.   Enrico Camprini (Forlì, 1995) è un curatore indipendente, vive e lavora a Bologna. Si è formato all’Università di Bologna, dove ha conseguito la laurea in Filosofia e la laurea magistrale in Arti Visive. Nella stessa città, ha fondato il progetto curatoriale Marktstudio e dal 2024 è parte della direzione collettiva del project space Gelateria Sogni di Ghiaccio. La sua ricerca, con particolare attenzione alla scultura e all’installazione, si articola intorno all’idea di mostra come dispositivo critico e narrativo focalizzandosi principalmente sulle ultime due generazioni di artisti italiani e internazionali. Collabora realizzando mostre e progetti con spazi indipendenti e gallerie, suoi testi sono apparsi su magazine e riviste di settore.   Fondazione Sabe per l’arte ETS nasce nel novembre 2021 con l’obiettivo di promuovere e diffondere l’arte contemporanea – con particolare attenzione alla scultura – nella città di Ravenna attraverso mostre, incontri, proiezioni e altre attività culturali. Presieduta da Norberto Bezzi e da Mirella Saluzzo, si avvale della consulenza di un comitato scientifico coordinato da Francesco Tedeschi, docente di storia dell’arte contemporanea presso l’Università Cattolica del Sacro Cuore di Milano, e composto dai professori dell’Università di Bologna Claudio Marra, Federica Muzzarelli e Claudio Spadoni, già direttore del Museo d’Arte della città di Ravenna. La direzione artistica è affidata a Pasquale Fameli, critico d’arte e studioso dell’ateneo bolognese. Sita a pochi passi dal MAR – Museo d’Arte di Ravenna, la Fondazione si dedica inoltre alla catalogazione delle opere di Mirella Saluzzo e alla costituzione di una biblioteca specializzata sulla scultura contemporanea.   Molteplice senza disordine Alice Cattaneo, Elisabetta Di Maggio, Remo Salvadori A cura di Enrico Camprini Sede Fondazione Sabe per l’arte | via Giovanni Pascoli 31, Ravenna Periodo 19 aprile – 28 giugno 2026 Inaugurazione domenica 19 aprile 2026, ore 11 Ingresso libero

Alice Cattaneo, Se questo margine è di tempo, 2025, vetro di Murano, filigrane di vetro, dimensioni ambientali. Exhibition view GAM Torino Courtesy l’artista e GAM Torino. Photo Silvia Mangosio, Luca Vianello

Remo Salvadori, Continuo infinito presente, 1985 (2007), cavi d’acciaio, 16 elementi diametro 350 x 9 cm Courtesy l’artista e Galleria Christian Stein. Photo Agostino Osio/Altopiano

Elisabetta Di Maggio, Senza titolo, 2026, sapone di Marsiglia tagliato a mano con bisturi e artigli di rosa Curtesy l’artista e galleria Christian Stein, Milano. Photo Francesco Allegretto

Dall'alto, ingresso ed sterno della Fondazione Sabe per l’arte. Foto di Daniele Casadio, Ravenna

UMBRIA TOP A VINITALY 2026: “STILI DI VITE”, UN RACCONTO DI IDENTITÀ, ISPIRAZIONE E CONTEMPORANEITÀ

 

La collettiva delle cantine umbre si presenta alla manifestazione con 45 espositori  e un concept immersivo dedicato al valore della cultura umbra; un palinsesto di oltre 40 appuntamenti nei nuovi spazi del Padiglione D

31 marzo 2026, Perugia  Un concept evocativo e profondamente identitario: “Stili di Vite”, è il focus che lascia il segno grafico e simbolico del Vinitaly 2026 di Umbria Top, la cooperativa che riunisce le eccellenze vitivinicole umbre dal 12 al 15 aprile alla Fiera di Verona.  Un progetto che va oltre la semplice esposizione fieristica per trasformarsi in un racconto corale della cultura dell’Umbria, fra storia, spiritualità e contemporaneità di cui il vino è grande portavoce. Il tema scelto per il 2026 si inserisce in un anno di importante cambiamento e offre l’opportunità di raccontare al mondo come il vino umbro nasca da un sistema di valori fondato su collaborazione, identità e senso di appartenenza. In questa visione, lo stile non è un elemento estetico ma una sostanza culturale: è la forza che si ritrova in ogni grappolo, in ogni scelta produttiva e in ogni bottiglia, diventando il tratto distintivo dell’Umbria del vino.  Anche quest’anno istituzioni, enti, testimonial che contribuiscono con le loro attività a promuovere e valorizzare l’unicità del territorio: Assessorato al PNRR, alle politiche agricole e agroalimentari, alla montagna e alle aree interne, ai parchi e ai laghi, al turismo e allo sport, Camera di Commercio dell’Umbria e Promocamera Umbria, Assogal Umbria - con i suoi 5 Gal, 3A Parco Tecnologico Agroalimentare dell’Umbria.  Il design e la grafica dello spazio espositivo di Umbria Top e del nuovo padiglione D, che accoglie la cooperativa, e che sono stati curati dal creativo Carlo Guttadauro, rivelano un’idea di spazio che si sviluppa come un ambiente immersivo, in cui immagini di paesaggio, volti di grandi personaggi della regione, dettagli materici e parole d’autore costruiscono un’atmosfera energica e contemplativa.  Il concept trova una traduzione visiva potente all’interno del padiglione, dove il “leporello” grafico accompagna il visitatore lungo tutto il perimetro dello spazio espositivo. La narrazione si sviluppa attraverso la fusione di linguaggi visivi differenti: elementi classici, di matrice pittorica e ispirati alla tradizione artistica umbra, si intrecciano con segni contemporanei, dando vita a un dialogo armonico tra passato e presente.    “Questa per l’Umbria – afferma Simona Meloni, assessora regionale Politiche agricole e agroalimentari – è l’edizione delle scelte coraggiose e abbiamo cercato davvero di buttare il cuore oltre l’ostacolo, anche rispetto alle polemiche che ci sono state per la collocazione dello stand decidendo, alla fine, di andare da soli. Abbiamo puntato sull'identità della nostra regione, con le nostre produzioni, le nostre eccellenze, tutti i nostri territori e con nuovi protagonismi, senza dimenticare anche l’Ottocentenario della morte di San Francesco per ricordare l’Umbria come terra di pace e spiritualità. Abbiamo puntato sugli Stili di Vite anche per ricordare il lavoro dell'uomo e chi ha portato il vino umbro in alto. Per questo il lunedì della kermesse lo dedicheremo a figure straordinarie dell'Umbria del vino omaggiando pionieri come Arnaldo Caprai, Maria Grazia Lungarotti, Leonardo Zanchi e Luigi Barberani che ci hanno lasciato di recente. Il vino, come del resto il comparto dell'agricoltura, sta attraversando un momento molto difficile, molto complesso. Stava risollevando la testa dopo il Covid ma adesso questi nuovi eventi che stanno sconvolgendo la geopolitica, pensiamo a materie prime e gasolio, stanno mettendo a dura prova un comparto già fortemente fiaccato già dagli eventi climatici. Però non vogliamo mollare, vogliamo dare una forte testimonianza di presenza delle Istituzioni. Stiamo costruendo anche nuovi bandi sull’OCM vino di cui daremo poi alcuni dettagli poco prima del Vinitaly, perché vogliamo stare vicino a chi continua ad investire nel mondo del vino, a chi continua a fare impresa e a chi continua a produrre anche sotto il profilo vitivinicolo”.  “Siamo alla nostra diciassettesima edizione di Vinitaly come Umbria Top e ogni volta questo evento racchiude energie e progetti che riescono a sostenere il comparto nella sua promozione corale - commenta Massimo Sepiacci, presidente di Umbria Top Wines. “Lo spostamento dallo storico Pad. 2 al Padiglione D, dove occuperemo ben 1.700 metri quadri, è una nuova sfida, in un periodo non semplice per il vino di tutto il mondo. Ciononostante - continua Sepiacci - crediamo che ci siano tutti i presupposti per una edizione di grande qualità per la nostra regione”.    “Stili di Vite - afferma Gioia Bacoccoli, coordinatrice di Umbria Top - si configura come un racconto stratificato, capace di restituire più livelli di lettura. La vite rappresenta innanzitutto il lavoro quotidiano, la competenza agricola e la continuità della tradizione vitivinicola. Allo stesso tempo, il tema richiama lo stile di vita umbro, fatto di equilibrio, cura, sobrietà e autenticità, valori che diventano un modello da condividere e promuovere. A questa dimensione si affianca quella umana e narrativa: le “vite” sono anche quelle dei produttori, degli imprenditori, delle figure che hanno contribuito a costruire il prestigio del vino umbro, ma anche degli umbri che nel tempo hanno lasciato un segno nel mondo, dalla spiritualità all’arte, dall’agricoltura alla cultura”.   In questo racconto si inseriscono figure simboliche che rafforzano il legame tra territorio, cultura e visione. La tradizione enologica trova un riferimento significativo in Zeffirino Faina, protagonista del rinnovamento qualitativo del vino umbro, contribuendo in modo decisivo alla crescita della reputazione dell’Orvieto e dell’intera regione. Accanto a lui, la dimensione artistica è rappresentata da Pietro Vannucci, il Perugino, la cui pittura armoniosa e luminosa diventa metafora visiva di quell’equilibrio che caratterizza anche il paesaggio e la cultura umbra.  Il progetto si arricchisce inoltre di un forte apparato simbolico, che richiama la spiritualità profonda della regione. La rosa di Santa Rita diventa emblema di speranza e resilienza, capace di raccontare come dalla difficoltà possa nascere bellezza, mentre il giglio di Santa Chiara esprime purezza, essenzialità e fiducia, valori che trovano corrispondenza anche nella filosofia produttiva delle cantine umbre. A questi simboli si affianca la figura di San Benedetto da Norcia, con la sua visione di equilibrio tra lavoro e spiritualità, e soprattutto quella di San Francesco d’Assisi, di cui ricorrono gli ottocento anni dalla morte. Il suo messaggio di armonia tra uomo e natura, espresso nel Cantico delle Creature, diventa chiave interpretativa dell’intero progetto, restituendo al vino il suo valore più autentico: quello di espressione della natura e del rapporto rispettoso con essa.  La presenza delle 45 aziende e il ricco programma di appuntamenti rafforzano questa visione corale, in cui il vino diventa linguaggio comune e strumento di relazione con operatori, buyer e pubblico internazionale.  Co-espositori dell’area Umbria sono nell’edizione 2026: Agricola Mevante, Azienda Agricola Meazzi, Benedetti & Grigi, Blasi Cantina, Bocale, Cantina Baldassarri, Cantina Custodi, Cantina Semonte, Cantina Vetunna, Cantine Battisti, Cantine Etiche con Ruffo della Scaletta, Tenuta dei Mori, Santoiolo e Collespino Tenimenti, Castello di Corbara, Chiorri, Colle Uncinano, Consorzio di Tutela Vini Montefalco, Consorzio di Tutela Vini Torgiano, Consorzio di Tutela Vini Trasimeno, Di Filippo, Dionigi, Duca della Corgna – Cantina del Trasimeno, Fattoria Le Poggette, Feudi Spada, Fongoli, Guerrini, La Madeleine, La Veneranda, Le Cimate, Moretti Omero, Morettini, Perticaia, Pucciarella, Rocca dei Fabbri, Roccafiore, Scacciadiavoli, Tenuta Bellafonte, Tenuta Casale Milli, Tenuta Il Botto, Tenuta Casale Milli, Terre Margaritelli, Terra Sapori Umbri, Todini, Tudernum, Valdangius; saranno inoltre presenti Assoprol, Movimento Turismo Vino Umbria, Coordinamento Strade del Vino e dell’Olio dell’Umbria.  In calendario, per tutta la durata della manifestazione, degustazioni, incontri e momenti di confronto con operatori, buyer e appassionati. Numerose le degustazioni e gli approfondimenti, per un calendario di appuntamenti finalizzati a rendere note le produzioni, le storie, le progettualità, i volti del vino umbro.   Il nuovo padiglione offrirà anche un'area lounge riservata al mondo dei content creators e influencers che visiteranno la Fiera e, in Umbria, potranno trovare una sorta di “sala stampa social” coordinata dal wine communicator Luca dalla Regina.    Lo stand si completerà con due aree funzionali – l’Area Tasting, destinata a degustazioni e momenti tecnici, e l’Area Eventi, per gli appuntamenti istituzionali – con un programma continuo di esperienze sia vino che food che accompagnerà visitatori e operatori lungo tutte e quattro le giornate di fiera.     L’area Umbria a Vinitaly è resa possibile in questa imminente edizione anche grazie ai partner di Umbria Top Wines, quali Umbraflor, fornirà di arredi verdi tutta l’area, Enoidee e Alessandrelli Kitchen e Living.

Natale di Roma: Nasce il primo Festival dell’Olio di Roma IGP, un mese di eventi tra storia, arte, tradizioni e gusto

 

Dove la terra genera cultura, l’olio custodisce la memoria

10 appuntamenti, 7 location suggestive e un percorso immersivo tra i tesori nascosti della Roma antica: nasce il Primo Festival Olio di Roma IGP, un progetto che unisce cultura, gusto e identità territoriale.   In occasione del Natale di Roma, la Capitale diventa protagonista di un racconto diffuso tra storia, arte e architettura, dove l’olio extravergine si fa chiave di lettura contemporanea di una tradizione millenaria.  Il Festival si svolgerà dal 10 al 21 aprile 2026, rievocando il rito arcaico dei Palilia, quando la città celebrava la rinascita e la purificazione attraverso gesti simbolici, tra cui la benedizione delle greggi e dei villaggi con rami d'ulivo, segno di fertilità, protezione e armonia con la terra.   Un programma che attraversa luoghi iconici e spazi meno conosciuti della città, trasformando siti archeologici e location d’eccellenza in tappe di un’esperienza immersiva che coinvolge cittadini, operatori e nuove generazioni.    Dalle masterclass di assaggio alle attività di edutainment, dalle degustazioni alle visite culturali, fino alla presenza al Vinitaly e al Premio L'Eterno, riconoscimento a personalità, enti e produttori che contribuiscono a diffondere la cultura dell’olio extravergine e l’identità romana nel mondo: il Festival punta a posizionare l’Olio di Roma IGP come simbolo identitario e leva di promozione del territorio. Nel solco della Dieta Mediterranea e della tradizione della Cucina italiana, entrambi patrimoni UNESCO, l’Olio di Roma IGP si afferma come elemento originario di una cultura del cibo riconosciuta nel mondo, capace di unire benessere, identità e bellezza.   La conferenza stampa sarà seguita da un momento conviviale con degustazione, che anticipa l’atmosfera del Festival.