QUASI UN PARADISO Fotografia dell'era coloniale nell'arte contemporanea

 

Museo Rietberg Zurigo, CH 16 aprile – 6 settembre 2026   rietberg.ch Wendy Red Star, Spring – Four Seasons, 2006 © Wendy Red Star, per gentile concessione dell’artista; collezione del Newark Museum of Art ARTISTI IN MOSTRA Sammy Baloji, Raphaël Barontini, Mary Enoch Elizabeth Baxter, Daniel Boyd, Andrea Chung, Omar Victor Diop & Lee Shulman, Sasha Huber, Yuki Kihara, Cédric Kouamé, Dinh Q. Lê, Dimakatso Mathopa, Tuli Mekondjo, Tshepiso Moropa, Aline Motta, Frida Orupabo, Rosana Paulino, Wendy Red Star, David Shongo, Zenaéca Singh. È aperta al pubblico, visitabile fino al 6 settembre 2026, al Museum Rietberg di Zurigo Quasi un paradiso. Fotografia dell'era coloniale nell'arte contemporanea, una mostra collettiva di artisti di fama internazionale provenienti o appartenenti alle diaspore di Africa, Americhe, Asia, Australia e Oceania che lavorano con materiale visivo dell'era coloniale per raccontare quali storie sono nascoste nelle fotografie storiche e in che modo gli artisti contemporanei le hanno portate alla luce.  Le loro opere – poetiche, critiche, visionarie – indagano come tali immagini definiscano identità, storia, senso di appartenenza e come possano essere reinterpretate. Queste opere rivelano un potere di guarigione che trascende i contesti storici specifici e che può toccare ciascuno di noi. Venti artisti rinomati esplorano lo stato attuale di questo patrimonio fotografico attraverso quattro sezioni tematiche, agendo come archivisti, come contro-sguardo al punto di vista coloniale, come forze protettive e come potenti narratori che danno spazio a storie nascoste. Composte da fotografie, tessuti, film e sculture, le loro opere espandono i confini del medium fotografico e intrecciano domande legate alla propria identità e alle memorie collettive.  Ciò che le accomuna è un atteggiamento di speranza: la memoria rimane fluida e capace di resistere. Emerge così un cosmo visionario di immagini che sovverte le narrazioni familiari e mette in luce storie non raccontate. Cosa accadrebbe se questi mondi visivi diventassero reali? Possiamo ritrovare un tipo di paradiso quando la storia viene raccontata in polifonia? E quale potere esercitano le immagini che vediamo ogni giorno, prima ancora che iniziamo a interrogarle?

Aline Motta, Se o mar tivesse varandas (If the sea had balconies) #4, 2017 © Aline Motta, per gentile concessione dell’artista LE QUATTRO SEZIONI TEMATICHE   MUTAZIONI Sono state scattate milioni di fotografie dall’invenzione del mezzo, ma questa eredità rimane distribuita in modo diseguale. In molti luoghi al di fuori dell’Europa, mancano fotografie che documentino il passato delle comunità, offrendo risposte sulle loro origini, memorie, appartenenze. Senza fotografie, una parte della loro storia rimane nascosta. Nella prima sezione della mostra, gli artisti reagiscono a questa assenza creando i propri archivi. Le loro opere rendono visibile ciò che è stato tramandato – e ciò che è andato perduto.   Artisti selezionati Dinh Q. Lê (1968–2024, Vietnam). Cercando nei mercatini di Ho Chi Minh City le fotografie perdute della propria famiglia, ha scoperto migliaia di immagini appartenute a famiglie costrette alla fuga. In Crossing the Farther Shore, intreccia queste fotografie in grandi strutture cubiche che restituiscono un volto alle storie raramente raccontate della vita quotidiana nel Vietnam del Sud prima della guerra.   Rosana Paulino (nata 1967, Brasile) denuncia la mancanza di documentazione visiva delle persone nere nella memoria culturale brasiliana. La sua opera monumentale Parede da Memória (Muro della Memoria) ripete gli stessi undici ritratti 750 volte, rendendo impossibile ignorare le lacune della memoria collettiva.   Cédric Kouamé (nato 1992, Costa d’Avorio). Con The Gifted Mold Archive, esplora la materialità della fotografia. La mancanza di misure di conservazione in Costa d’Avorio ha fatto sì che molte fotografie si deteriorassero: questa decomposizione genera nuove composizioni e spazi inattesi per l’interpretazione. Cédric Kouamé, dalla serie The Gifted Mold, 2012, Costa d’Avorio © Cédric Kouamé, per gentile concessione dell’artista CONFRONTO La colonizzazione si è sviluppata parallelamente alla diffusione della fotografia in tutto il mondo. La macchina fotografica ha agito come uno strumento capace di rappresentare i popoli colonizzati come “altri”, come diversi. Queste immagini furono riprodotte in massa in riviste e cartoline, diventando parte integrante della nostra memoria visiva collettiva. Ma le immagini non si limitano a plasmare il modo in cui vediamo il mondo: stabiliscono anche ciò che crediamo di essere. Gli artisti presentati nella seconda sezione della mostra traggono forza e resistenza proprio da questi stereotipi coloniali. Cercano fotografie del passato, le decostruiscono e danno loro nuovi significati, reinterpretando ciò che era stato imposto come verità visiva.   Artisti selezionati Wendy Red Star (1981, USA). Nella serie Four Seasons, prende di mira con ironia e precisione le fotografie storiche dei nativi nordamericani. I suoi autoritratti messi in scena deridono l’idea romantica secondo cui gli indigeni vivessero in perfetta armonia con la natura: lo fa utilizzando paesaggi artificiali, fiori di plastica, erba sintetica e animali gonfiabili.   Omar Victor Diop (1980, Senegal). Nel progetto Being There (in collaborazione con Lee Shulman, 1973, Regno Unito), si inserisce retroattivamente in scene della vita quotidiana della popolazione bianca degli Stati Uniti degli anni ’50 e ’60. Con naturale sicurezza, appare in situazioni da cui, come uomo nero, sarebbe stato escluso a causa della segregazione razziale.   Yuki Kihara (1975, Samoa). Nel video First Impressions: Paul Gauguin, crea una satira in stile talk show. I partecipanti discutono in modo irriverente i dipinti tahitiani di Paul Gauguin, affrontando le sue rappresentazioni stereotipate del genere e sviluppando letture queer che ribaltano l’iconografia del pittore. Omar Victor Diop & Lee Shulman, The Anonymous Project presents: Being There 54, 2023 © Omar Victor Diop & Lee Shulman, per gentile concessione degli artisti e Galerie MAGNIN-A CURA Nel corso del tempo, le fotografie storiche hanno spesso mostrato ingiustizie. In tutto il mondo, la macchina fotografica ha documentato lo sfruttamento dei corpi e della terra. Gli artisti della terza sezione reagiscono a queste immagini storiche con una forma di empatia radicale. Intervengono nelle fotografie, cercando di proteggere coloro che hanno subito ingiustizie davanti – e oltre – l’obiettivo. Queste opere ci ricordano che il passato non è davvero passato: le sue eco sono ancora avvertibili nel presente.   Artisti selezionati Sasha Huber (1975, Svizzera). Mostra come le fotografie storiche possano essere “rammendate” nella serie Tailoring Freedom. Con un gesto di cura furiosa, utilizza una graffettatrice per intervenire sulle immagini realizzate dal naturalista svizzero-americano Louis Agassiz, che nel 1850 fece fotografare persone schiavizzate nude nel tentativo di sostenere la sua teoria della “gerarchia delle razze”. Le graffette perforano l’immagine, creando un’armatura che protegge i soggetti rappresentati, sottraendoli allo sguardo colonialista.   Nel 1882, il pittore e fotografo statunitense Thomas Eakins realizzò fotografie di una bambina nera nuda. Oggi, queste immagini rivelano quanto i corpi dei bambini neri fossero sessualizzati e oggettificati. Mary Enoch Elizabeth Baxter (1981, USA). Interviene in quel momento fotografico, utilizzando il proprio corpo come uno scudo protettivo per la bambina.   Zenaéca Singh (2000, Sudafrica). I suoi antenati furono condotti dall’India alla colonia di Natal (attuale Sudafrica) come lavoratori a contratto nelle piantagioni di zucchero. Per Singh, lo zucchero non è solo un soggetto artistico: è una materia viva della memoria familiare. Incorpora le fotografie della sua famiglia nel vetro di zucchero, creando immagini fragili e luminose che invitano a uno sguardo intimo sulla propria storia. Sasha Huber, Tailoring Freedom – Delia, profile, 2023 © Sasha Huber, per gentile concessione dell’artista e Harvard University IN THE PHOTO FANTASTIC Le lacune nella storia scritta, le fratture nella propria biografia o le informazioni mancanti sulle persone raffigurate costituiscono il punto di partenza della sezione finale della mostra. Qui, gli artisti si basano sui metodi della critical fabulation sviluppati da Saidiya Hartman, in cui i vuoti della storia vengono colmati attraverso modalità immaginative. Gli artisti si dedicano a questa pratica visiva speculativa, che si costruisce a partire da frammenti storici, dando origine a scene in cui memoria e fantasia si intrecciano. Le figure rappresentate assumono nuovi ruoli, voci e identità. Gli artisti riescono così a liberare tali figure e a condurle in uno spazio ricco di possibilità, dove passato, presente e futuro si mescolano e dove, per un momento, il paradiso sembra a portata di mano.   Artisti selezionati Raphaël Barontini (1984, Francia). La sua arte è popolata da eroine che la storia ha ignorato. La sua ultima opera è basata su Nobosudru, una donna proveniente dall’attuale Repubblica Democratica del Congo, il cui ritratto fu scattato durante un viaggio in Africa organizzato da Citroën nel 1924–25. In Europa, la sua immagine divenne un simbolo della figura della “donna africana”. Barontini immagina quell’incontro dal punto di vista di Nobosudru, invertendo lo sguardo coloniale. Non più soggetto passivo della rappresentazione, ma autrice della propria storia.   Andrea Chung (1978, USA). Rielabora il mito afrofuturista di Drexciya, secondo cui le donne africane incinte, gettate in mare dalle navi negriere, avrebbero dato alla luce bambini capaci di vivere sott’acqua. Questi bambini avrebbero fondato un regno sottomarino paradisiaco, dove il trauma della schiavitù si trasforma in una storia di sopravvivenza, resistenza e futurismo nero. Chung immagina un museo per gli abitanti di Drexciya. Nelle sue opere compaiono i volti di donne nere tratti da fotografie storiche della collezione del Museo Rietberg, restituendo loro nuova visibilità. Raphaël Barontini, The Golden Ladies, 2026 © 2026, ProLitteris, Zurigo, per gentile concessione dell’artista Installation view, Tshepiso Moropa, Raphaël-Barontini Installation view, Tuli Mekondjo FOTOGRAFIE STORICHE Il Museum Rietberg custodisce una vasta collezione di fotografie scattate in Africa e in Asia tra la fine del XIX e l’inizio del XX secolo. Tra queste vi sono documentazioni visive etnografiche e coloniali, nonché fotografie di studio realizzate da fotografi africani e asiatici. Queste fotografie costituiscono un sottile filo conduttore che attraversa tutte le sezioni della mostra e, nelle loro nuove opere, gli artisti vi hanno attinto per rendere visibili i messaggi nascosti in queste immagini. Un film prodotto per una parte della mostra presenta le domande sollevate, le prospettive aperte e le interpretazioni offerte da questa collezione. Cattura momenti chiave di un workshop tenutosi presso il Museum Rietberg alla fine di marzo 2025, durante il quale artisti, ricercatori e curatori hanno studiato e lavorato insieme sulla collezione fotografica del museo. In questo spazio, i visitatori sono inoltre invitati a riflettere sulle proprie fotografie. Che cosa possono dirci le immagini sulla nostra storia e sui nostri ricordi? In che modo la nostra capacità di ricordare è influenzata dall’osservazione delle fotografie? Cittadini di Zurigo ci hanno permesso di dare uno sguardo ai loro album fotografici personali, condividendo con noi le loro storie. Questi archivi visivi personali crescono nel corso della mostra, creando un nuovo spazio di polifonia visiva.   Pubblicazione La mostra è accompagnata da un catalogo dettagliato, pubblicato in tedesco e inglese da Spector Books. Il catalogo è disponibile nel negozio del museo.

Rietberg Museum Il Museo Rietberg di Zurigo è uno dei più grandi musei d'arte della Svizzera. È dedicato all'arte delle culture tradizionali e contemporanee di Asia, Africa, America e Oceania. Le collezioni del museo comprendono 32.600 oggetti e 49.000 fotografie. Gli oggetti sono in gran parte accessibili nelle sale del museo e nel deposito aperto al pubblico. Le attività del Museo Rietberg sono caratterizzate da un alto livello di professionalità, inclusione e diversità e si rivolgono a un pubblico locale e internazionale. Il museo testimonia il legame della città di Zurigo con le culture del mondo e sensibilizza i singoli risultati artistici e la diversità religiosa e sociale. In questo modo, svolge un'importante missione culturale in un mondo sempre più globalizzato. Le collezioni di fama internazionale costituiscono la base di tutte le attività del museo e ne determinano la reputazione. Le opere richiedono una ricerca scientifica continua, compresa la ricerca sulla provenienza, rispetto alla quale il museo mantiene un approccio trasparente: i risultati della ricerca, sono ampiamente accessibili online e i curatori a disposizione per ogni domanda o chiarimento. Il Museo Rietberg è connesso a una rete di esperti nei vari settori culturali e a istituzioni culturali e collezionisti, sia a livello locale che internazionale. Nel dialogo con i Paesi d'origine, si concentra su collaborazioni a lungo termine, ad esempio, in Camerun, Perù, India e Pakistan. Il museo organizza due o tre grandi mostre temporanee all'anno, integrate da tre o quattro mostre più piccole che attingono alle sue collezioni interne. Le mostre temporanee sono prodotte talvolta all’interno del Museo e in altre occasioni sono il frutto di collaborazioni internazionali con musei e istituzioni dei Paesi d'origine e vogliono promuovere le culture extraeuropee e l'idea di tolleranza, dando così un esempio del cosmopolitismo della città di Zurigo. Il programma di edutainment del museo offre un'ampia gamma di attività ludiche ed educative con visite guidate, conferenze e laboratori, per il pubblico in generale, per i più piccoli come pure per gruppi, per professionisti, studenti o insegnanti. Uno dei compiti del museo è la conservazione e la manutenzione del complesso storico del Rietberg - una combinazione unica di arte extraeuropea (mostre e attività museali), storia locale (Villa Wesendonck, Park-Villa Rieter, Villa Schönberg), architettura contemporanea (lo Smaragd degli architetti Krischanitz/Grazioli e il padiglione estivo di Shigeru Ban) e la natura del parco da preservare.

QUASI UN PARADISO. FOTOGRAFIA DELL’ERA COLONIALE  NELL’ARTE CONTEMPORANEA 16 aprile 2026 – 6 settembre 2026   Museo Rietberg, Zurigo Kunst der Welt in Zürich Galblerstrasse 15 - 8002 Zürich, Svizzera rietberg.ch | @museumrietberg   Orari Aperto dal martedì alla domenica dalle 10.00 alle 17.00, il giovedì aperto fino alle 20.00. Lunedì chiuso Costo del biglietto CHF 18 intero / CHF 14 ridotto / gratuito <16 anni    Come arrivare: Tram 7 in direzione Wollishofen fino alla fermata "Museum Rietberg" (quattro fermate dopo Paradeplatz). Sono disponibili solo parcheggi per disabili

“ELOGIO DELLA MISURA”: AD ARTIMINO IL MONDO SCIENTIFICO DIFENDE IL MODELLO MEDITERRANEO E IL VALORE CULTURALE DEL VINO

 

Fondazione Giuseppe Olmo: “Serve un approccio scientifico e non ideologico al tema del vino e dell’alimentazione”.

La Fondazione Giuseppe Olmo torna a parlare di vino nella giornata di studi “Elogio della misura. Verità scientifiche per difendere il modello mediterraneo” svoltasi l’8 maggio, ad Artimino.

In un momento storico segnato dalla diffusione dei cibi ultra-processati, dal progressivo allontanamento dalla Dieta Mediterranea e da una crescente semplificazione del dibattito pubblico su alimentazione e salute, la Fondazione ha voluto riunire autorevoli studiosi del mondo medico e scientifico per approfondire il rapporto tra alimentazione, salute, stili di vita e consumo consapevole, riportando al centro il concetto di “misura” come principio biologico, culturale e sociale.

Organizzata dal Prof. Fulvio Mattivi in collaborazione con il Prof. Attilio Scienza, la giornata ha posto al centro il progressivo allontanamento dal modello mediterraneo, la crescita dei cibi spazzatura nei nuovi stili di consumo e il ruolo della cultura alimentare nella prevenzione delle malattie croniche.

“Con questa giornata di studi vogliamo contribuire a riportare nel dibattito pubblico un approccio basato sulle evidenze scientifiche, portate dagli illustri relatori invitati dalla Fondazione, e non sulle semplificazioni”, ha dichiarato la Presidente della Fondazione Giuseppe Olmo, Annabella Pascale. “La Dieta Mediterranea è un patrimonio culturale fatto di equilibrio, qualità della vita, convivialità e consapevolezza, riconosciuta come patrimonio UNESCO. Eppure ci sono correnti di informazione, soprattutto a livello internazionale, che parlano male del vino e anche di tantissimi prodotti italiani della cultura alimentare italiana. Il metodo interdisciplinare della Fondazione Olmo vuole portare chiarezza scientifica, attraverso le voci più autorevoli, e ricollocare il vino nella dieta mediterranea elogiando il concetto di misura”.

Accanto agli organizzatori, un panel di relatori di primo piano: la prof.ssa Licia Iacoviello, tra i principali riferimenti negli studi epidemiologici sulla Dieta Mediterranea; la prof.ssa Fabiola Sfodera, esperta di marketing e comportamenti di consumo; il prof. Giovanni de Gaetano, figura di riferimento nella ricerca cardiovascolare; e il prof. Fulvio Ursini, professore emerito di chimica biologica presso l’Università di Padova.

Tra i temi più discussi, il ruolo del vino nella Dieta Mediterranea, spesso – secondo i relatori – penalizzato da una comunicazione ideologica che tende a ignorarne il contesto culturale, conviviale e alimentare.

“Il vino si colloca all’interno di una tradizione alimentare e sociale millenaria fondata sul concetto di misura”, ha spiegato il professor Fulvio Ursini, professore emerito di Chimica Biologica dell’Università di Padova. Ursini ha ricordato come le evidenze scientifiche mostrino una relazione non lineare tra consumo e salute, distinguendo chiaramente tra moderazione e abuso.

Anche il professor Giovanni de Gaetano, presidente IRCCS Neuromed, ha sottolineato il valore storico e culturale del vino nella civiltà mediterranea: “La cultura mediterranea ha sempre associato il vino alla convivialità, al pasto e alla moderazione, non all’eccesso. Questo è un tema di crescente interesse nella ricerca biomedica, anche per la sua rilevanza clinica quotidiana.Il tentativo di applicare agli studi sul vino (e sull’alcol in generale) le stesse metodologie usate per gli studi farmacologici (e i clinical trial in particolare) ha dato in questi ultimi decenni risultati validi e sostanzialmente concordanti riguardanti i possibili effetti benefici della dieta mediterranea e del consumo moderato di vino. In particolare, il grande sviluppo dell’epidemiologia e l’introduzione delle meta-analisi ha favorito molto il progresso delle nostre conoscenze sui possibili benefici associati (non causati secondo meccanismi di causa -effetto) al consumo moderato di vino: il consumo di vino non cura le malattie cardiovascolari, ma è associato statisticamente a una riduzione del loro rischio (e del rischio di mortalità), così come non causa il cancro, ma è associato a un rischio aumentato di alcuni tumori (mammella, colon/retto).

L’insieme della letteratura internazionale sul tema vino/alcol e salute permette di evidenziare come nel bilancio beneficio/rischio del consumo moderato, l’ago tenda nettamente verso il beneficio

Molto significativo il contributo della prof.ssa Fabiola Sfodera dell’Università Sapienza di Roma, che ha presentato dati e ricerche sui comportamenti di consumo in Italia. Lo studio evidenzia come il modello italiano sia caratterizzato da un consumo moderato, ritualizzato e legato alla socialità.

Sfodera ha però richiamato l’attenzione sui cambiamenti generazionali in corso: “Tra i giovani il consumo tende sempre meno a essere legato al pasto e sempre più a occasioni episodiche e serali, influenzate dai social media, dai nuovi modelli culturali globalizzati e dalla perdita dei rituali tradizionali della Dieta Mediterranea”.

Secondo la docente, proprio l’allontanamento dal modello mediterraneo rappresenta uno degli aspetti più critici: “Il problema non è il vino inserito in un contesto alimentare equilibrato e conviviale, ma il consumo slegato dal cibo, dalla cultura della misura e dalla responsabilità individuale”.

Nel corso della giornata è stato inoltre evidenziato come il consumo pro capite di alcol in Italia sia diminuito del 17% dal 2000 al 2022, attestandosi sotto la media OCSE, mentre il Paese continua a registrare una delle aspettative di vita più elevate d’Europa.

Fondazione Giuseppe Olmo ETS

fondazioneolmo.org

FESTA DI MEZZA ESTATE DA JOSETTA SAFFIRIO: UN'EDIZIONE FUORI DAGLI SCHEMI TRA VIGNA, CUCINA CONTEMPORANEA E MIXOLOGY

 

Sabato 20 giugno la Cantina Josetta Saffirio apre le porte a una serata che reinventa il racconto del vino, dal Geosito di Persiera al calice, fino ai cocktail d'autore del Retrò di Dogliani

Monforte d’Alba (CN), 28 maggio 2026 – Vino, cocktail d'autore e cena tra i filari: sabato 20 giugno la Cantina Josetta Saffirio trasforma il cru Persiera in un percorso esperienziale che unisce Langhe, cucina contemporanea e mixology.  Torna la Festa di Mezza Estate di Cantina Josetta Saffirio, ma in una veste completamente nuova. L'edizione di quest'anno porta gli ospiti a vivere il vino in forme inaspettate: dalla scoperta del Geosito di Persiera alla cena nel cortile della cantina, passando per abbinamenti con la cucina contemporanea del Retrò di Dogliani e un finale a sorpresa con i cocktail d'autore a base di vino.    “Questa serata è per noi molto più di un semplice evento”, racconta Sara Vezza, alla guida della cantina di famiglia. “È l'occasione per svelare non solo la bellezza di questo angolo di territorio, ma anche l'unicità di ciò che produciamo. La degustazione non si limiterà alla tradizione dei nostri Nebbioli e Baroli: porteremo in vigna anche i vini spumanti e il Rossese Bianco, varietà di cui siamo tra i pochissimi produttori in Alta Langa. Vogliamo che gli ospiti scoprano la nostra cantina nella sua interezza, comprendano la nostra visione e lo facciano con la leggerezza e la vivacità che solo una sera d'estate sa regalare”.    Dal Geosito al tramonto, fino alla cena sotto le stelle   Il programma prende avvio nel pomeriggio, con l'arrivo in cantina e l'accoglienza degli ospiti, su due turni, alle 16:30 e alle 17:30. Da lì, la partenza verso il cru Persiera: una visita guidata al Geosito con l'agronomo Matteo Monchiero, accompagnata da una degustazione di due annate di Persiera Barolo DOCG direttamente tra i filari, dove il vino prende corpo e il paesaggio delle Langhe si apre in tutta la sua profondità.   Al rientro in cantina, il ritrovo è nel cortile per un aperitivo con Nebbiolo Spumante Rosè e finger food, accolti dalla luce del tramonto che lascia spazio alla sera.     La cucina del Retrò incontra i Nebbiolo di Josetta Saffirio   L’esperienza prosegue poi con la cena, in programma alle 20:45, e affidata a Barbara e Fabrizio del Retrò di Dogliani, che hanno costruito un menù contemporaneo pensato appositamente per dialogare con i vini della cantina: Nebbiolo, Rossese e Barolo, raccontati attraverso abbinamenti ricercati e una cucina che non rinuncia alla sorpresa.  A concludere la serata, un cambio di ritmo: apre l'angolo Mixology, con Barbara che presenterà una carta di cocktail d'autore a base di vino, creati appositamente per l'occasione. Un epilogo inatteso, che porta il calice in un territorio nuovo.    L'appuntamento è dunque per sabato 20  giugno nella sede della Cantina Josetta Saffirio. Un pomeriggio e una serata da vivere fino in fondo, con il vino come filo conduttore e qualche sorpresa lungo la strada. I posti sono limitati.    Prenotazione obbligatoria su: Festa di Mezza Estate da Josetta Saffirio

Biennale Gherdëina 10 inaugura (Future) Paradise Gardens a cura di Samuel Leuenberger

 

Un’esplorazione visionaria tra ecologia, comunità e immaginazione   31 maggio – 13 settembre 2026 Ortisei e varie sedi in Val Gardena, Dolomiti, Italia www.biennalegherdeina.org

Ortisei, 28.05.2026. Dal 31 maggio al 13 settembre 2026, Ortisei e numerose sedi diffuse in Val Gardena ospiteranno Biennale Gherdëina 10 – (Future) Paradise Gardens, decima edizione della biennale d’arte contemporanea regionale e nazionale che si svolge nel cuore delle Dolomiti, a cura di Samuel Leuenberger.   Questa edizione, che segna un importante anniversario e traguardo nella storia della Biennale, trasforma la Val Gardena in un paesaggio poetico e politico in cui arte contemporanea, natura alpina e riflessione ecologica convergono. Attraverso installazioni site-specific, mostre e interventi diffusi sul territorio, (Future) Paradise Gardens invita il pubblico a immaginare nuove forme di coesistenza tra esseri umani, piante, animali e ambiente.   Sullo sfondo suggestivo delle Dolomiti, la mostra si dipana attraverso una serie di capitoli tematici. Questi esplorano il giardino sia come spazio costruito sia come spazio conteso — talvolta presente, talvolta assente — attraverso prospettive simboliche, metaforiche ed emotive. I temi si sviluppano attorno ai concetti di “Commoning”, “Divine Love and Growth”, “Violent Garden”, “Queer Ecology”, “Botanical” e “Gardens as Spaces for Reflection and Poetry”, affrontando al contempo le forze industriali ed estrattive che si pongono in contrapposizione a tali visioni.   “Le Dolomiti offrono uno scenario di grande ispirazione, ricco di bellezza naturale, tradizioni artigianali e narrazioni montane senza tempo”, afferma il curatore Samuel Leuenberger. “Questi giardini sono concepiti non solo come rifugi per flora e fauna, ma anche come spazi che riflettono le nostre aspirazioni collettive verso un futuro che si fonda su giustizia ed equità.”   Questa edizione riunisce un gruppo internazionale di artisti e artiste, le cui pratiche affrontano temi legati a ecologia, identità, memoria, paesaggio e trasformazione sociale. Tra questi figurano Chanelle Adams, Giulia Cenci, Sandra Knecht, Lydia Ourahmane, Bosco Sodi, Álvaro Urbano, Evelyn Taocheng Wang, Yuyan Wang e molti altri.   Uno dei punti salienti del programma è Dormancy, un importante nuovo progetto dell’artista italiano Jacopo Belloni, vincitore della 14ª edizione dell’Italian Council 2025, programma di promozione internazionale dell’arte italiana della Direzione Generale Creatività Contemporanea (DGCC) del Ministero della Cultura. Il progetto, sviluppato tra Ginevra, Marsiglia, Porto e la Val Gardena, entrerà successivamente a far parte della collezione permanente della GAMeC – Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo.   La 10ª edizione amplia inoltre la rete internazionale di Biennale Gherdëina attraverso nuove collaborazioni, tra cui una partnership biennale con Kaunas Biennial in Lituania e una rinnovata collaborazione con Museion – Museo d’Arte Moderna e Contemporanea di Bolzano. Nell’ambito di questa partnership, Museion ospiterà la prima mostra personale italiana dell’artista cinese Evelyn Taocheng Wang, creando un dialogo tra Bolzano e la Val Gardena.   Per celebrare la decima edizione della biennale è stata inoltre realizzata una speciale pubblicazione anniversario che ripercorre quasi due decenni di sperimentazione artistica e dialogo culturale nella regione.   Fondata nel 2008 dalla direttrice Doris Ghetta e organizzata dal 2019 dall’Associazione Zënza Sëida, Biennale Gherdëina è diventata uno degli eventi d’arte contemporanea più distintivi della regione alpina, costruendo ponti tra ricerca artistica internazionale, comunità locali e patrimonio culturale delle Dolomiti.   Biennale Gherdëina 10 - (Future) Paradise Gardens elenco completo delle e degli artisti: Chanelle Adams (1992, US), Andrius Arutiunian (1991, Armenia/Lithuania), Jacopo Belloni (1992, Italy), Alice Bucknell (1993, UK/US), Leonardo Bürgi Tenorio (1994,Mexico/Switzerland), Giulia Cenci (1988, Italy), Sandra Knecht (1968, Switzerland), Dorota Gawęda & Eglė Kulbokaitė (1987, Lithuania, 1986, Poland), Judith Neunhäuserer (1990,Italy), Walter Niedermayr (1952, Italy), Masatoshi Noguchi (1988, Japan/Italy), Gabriela Oberkofler (1975, Italy), Lydia Ourahmane (1992, Algeria), Gregor Prugger & LeonoraPrugger(1954, Italy, 1995, Italy), Ana Prvački (1976, Yugoslavia/Romania), Augustas Serapinas (1990, Lithuania), Bas Smets + Eliane Le Roux (1975, Belgium, 1983, France), Bosco Sodi (1970, Mexico), Constantin Thun, Kelly Tissot (1995, France), Álvaro Urbano (1983, Spain), Yuyan Wang (1989, China), Evelyn Taocheng Wang (1981, China), Pedro Abu Wirz & Michael Marder (1981, Brazil/Switzerland, 1980, Canada/Portugal).

Ripristinate altre cinque strutture per la regimazione delle acque di piena

 

Ad Argenta recuperata la piena funzionalità delle chiaviche Gallo, Mistroni e del Pero. Lavori conclusi anche sui manufatti di scarico della cassa e dell'impianto Bassarone

Per la rigenerazione idraulica di queste strutture idrauliche, la Bonifica Renana ha investito 3,5 milioni di euro

ARGENTA - Nella bassa pianura argentana, posta tra gli argini di terra in cui - dal 1765 al 1813 - furono inalveati Reno, Idice e Sillaro, convergono tutte le acque scolanti anche della pianura bolognese. Si tratta, infatti, di uno dei principali nodi idraulici regionali, costituito da canali artificiali, impianti idrovori di sollevamento, casse di accumulo e moltissimi altri manufatti di regolazione delle acque. Su questi ultimi si è incentrata una delle attività di ripristino post-alluvionale che la Bonifica Renana sta complentando nel territorio di Argenta.

"Nello specifico - spiega per il Consorzio l' ing. Giulia BERNAGOZZI, direttore dei lavori - La chiavica Gallo (sull'argine delle Pastore) serve a sgrondare nel canale Lorgana, le eventuali piene di Idice che qui giungono tramite le Savenelle. Sullo stesso argine, la chiavica Durazzo riversa le acque scolanti dell'omonimo canale sempre nella Lorgana che è ad un livello più basso. Invece, la Mistroni è la chiavica che scola le acque del canale Durazzo nel canale Saiarino. Si è intervenuti in modo strutturale anche sui due manufatti di scarico che regolano il funzionamento sia della cassa che dell'impianto idrovoro denominati entrambi Bassarone".

La realizzazione di questi interventi da parte del Consorzio è stata possibile grazie allo stanziamento di 3,5 milioni di euro da parte della Struttura commissariale governativa per la ricostruzione post alluvione.

 Valentina BORGHI, presidente della Bonifica Renana, completa l'analisi specificando che "Il Consorzio sta attuando una vera e propria rigenerazione idraulica del proprio reticolo scolante: sia della rete dei canali artificiali che delle strutture idrauliche diffuse sul territorio. Questa è la 73° opera conclusa del programma straordinario di lavori realizzati sul reticolo consortile. Reticolo che pochi sanno essere artificiale e che consente l'immissione delle acque di pianura nei corsi d'acqua regionali, per poi farle giungere al mare. Grazie ad opere come queste, aumenta sia la sicurezza idraulica sia la possibilità di approvvigionamento irriguo, a vantaggio dell'intera comunità".

Didascalia: nella foto in alto, l'ing. Giulia Bernagozzi (direttrice dei lavori) con i tecnici della Bonifica Renana e dell'impresa esecutrice